El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)

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Sen to Chihiro no kamikakushi (
千と千尋の神隠し)  (El viaje de Chihiro), es una película de animación japonesa dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli.
El filme, estrenado el 27 de julio de 2001 en Japón, narra las aventuras de una niña de diez años llamada Chihiro Ogino, quien se encuentra a mitad de una mudanza con sus padres. En el proceso, su padre toma un atajo y se pierden, llegando a un extraño túnel, el cual atraviesan y descubren una ciudad abandonada. Allí, los padres de Chihiro hallan un restaurante y deciden comer, mientras que la pequeña va a investigar el lugar. Al caer la noche, Chihiro se aterroriza al ver que la ciudad se llena de variedades de espíritus, así que corre a buscar a sus padres, pero para su sorpresa éstos habían sido transformados en cerdos. Así pues, Chihiro tendrá que hallar una manera de romper el hechizo y poder continuar con su mudanza.
La película ha recibido más de catorce premios, entre ellos el premio Óscar a la categoría «Mejor película de animación», siendo la segunda película que recibe dicha condecoración, la primera y única película de anime que ha ganado un premio de Academia hasta ahora, la primera (y por ahora única) animación de habla no inglesa en ganar y la única de este premio que usa una técnica de animación tradicional o que gana entre cinco nominados (en cada uno de los años anteriores eran tres nominados). La película también ganó el Oso de oro en el 2002 en el Festival Internacional de Cine de Berlínn, aunque quedó empatada con Bloody Sunday. Además, Sen to Chihiro no kamikakushi superó a Titánic en la taquilla japonesa, convirtiéndose en la película con más recaudación en la historia del cine japonés.
Argumento
Chihiro y sus padres se habían visto obligados a mudarse a otra ciudad. Mientras que su padre conduce, toman un atajo por el cual se pierden internándose en un bosque que terminaba frente a un edificio que tenía un gran y extraño túnel en su interior. Del otro lado del túnel descubren un pueblo aparentemente abandonado; la familia decide ir a mirar y conocer el raro lugar, encontrando así un restaurante vacío, en el cual deciden quedarse a comer. Por otro lado, Chihiro se aleja de ellos para investigar la ciudad. Cuando comenzaba a anochecer, un chico misterioso llamado Haku aparece y le ordena a la niña que se marche de allí con sus padres antes de que caiga completamente la noche.

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Chihiro corre en busca de sus padres, mientras que al caer la noche toda la ciudad cobra vida, encendiéndose los faros y apareciendo seres de formas extrañas, similares a los yōkai; pero para su sorpresa y horror, sus padres habían sido convertidos en dos enormes cerdos. Atemorizada, Chihiro se da cuenta que se estaba volviendo transparente, por lo que Haku le dice que para no desaparecer debe comer algo de ese mundo y le ofrece una baya. Después, la lleva secretamente a una casa de baños termales, donde el joven le dice que debe conseguir un trabajo allí hasta que él pueda ayudarle a recuperar a sus padres y a escapar. Así pues, con ayuda de varios amigos que hace en el transcurso de la historia, Chihiro inicia una gran aventura para poder rescatar a sus padres y continuar con su vida.

Temas y arquetipos
El principal tema de la película es el viaje que hace Chihiro al reino de los dioses. Una niña mimada, la cual había viajado a un mundo fantástico, en donde se ha separado de todo lo que había conocido y encontrar el camino de regreso a casa. La experiencia de Chihiro en el mundo alterno, comparado con las novelas de Lewis Carroll, Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, representa un paso de la niñez a la edad adulta.
El arquetipo de la entrada al otro mundo delimita claramente el estado de Chihiro como una adulta en el medio. En su transición entre el niño y el adulto, Chihiro está fuera de estos límites de la sociedad, situación reflejada en su establecimiento fuera de lo sobre natural. El uso de la palabra kamikakushi (神隠し literalmente. «Escondido por los dioses») dentro del título japonés y el folclore asociado refuerza este pasaje: «kamikakushi es un veredicto de la muerte social en este mundo», y al volver a este mundo, «kamikakushi significa la resurrección social». En el momento de la obtención de empleo en la casa de baños termales, y la incautación del verdadero nombre de Chihiro por Yubaba, un tema común dentro del folclore japonés, ella mata simbólicamente a la niña. Después de haber perdido su identidad de la niñez, Chihiro no puede volver a la realidad la manera que ella vino, sólo puede avanzar adelante en edad adulta. Las siguientes pruebas y obstáculos que debe superar Chihiro se convierten en los desafíos y las enseñanzas comunes. En su intento de recuperar «su continuidad con su pasado», Chihiro debe forjar una nueva identidad.

Debajo del tema de la evolución del protagonista, Sen to Chihiro no kamikakushi contiene comentarios críticos sobre la sociedad japonesa moderna en relación con los conflictos generacionales, la lucha con la disolución de la cultura tradicional, las costumbres en una sociedad global y la contaminación del medio ambiente. Chihiro, como una representación de un shōjo liminal, «puede ser visto como una metáfora de la sociedad japonesa, que durante la última década parece estar cada vez más en el limbo y difícilmente pasen lejos de los valores y marco ideológico de la inmediata posguerra».

El viaje de Chihiro, Spirited away, Sen to Chihiro no kamikakushi, 
千と千尋の神隠し: el título de la película en nuestro idioma es bastante diferente al nombre original en japonés. La traducción literal de “Sen to Chihiro no kamikakushi, 千と千尋の神隠し” sería “La misteriosa desaparición de los espíritus de de Sen y Chihiro”. Kamikakushi, 神隠し, es casi imposible de traducir bien, literalmente los caracteres significan “dioses/kami” y “esconder”, pero juntos funcionan más como “desaparición misteriosa” o “spirited away” (El titulo de la versión en inglés) y también tienen cierta connotación de “viaje al más allá para redescubrirse a uno mismo” (“Viaje” es la opción que eligieron en la versión en español).

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Sen to Chihiro , es la parte más importante del título, en uno de los temas principales de la película. Los caracteres de Chihiro  significan “1000″ y “fantasma / preguntar por/buscar con profundidad”. En la secuencia de la película en la que Yubaba le roba el nombre al firmar el contrato, elimina con magia el segundo carácter de su nombre y se queda sólo con  (De ahí lo de 千と千尋 en el título), cuya pronunciación alternativa en japonés es “Sen”. Sen y Chihiro son ocultados por lo dioses, Chihiro es convertido en Sen por Yubaba adentrándolo un paso más en el mundo de los kamis donde tendrá que vivir muchas aventuras antes de poder volver con sus padres a la “realidad”.

Todas las culturas del mundo le dan mucha importancia a los nombres propios. En el caso de Japón, no sólo es importante la pronunciación del nombre, sino de los caracteres y su significado. El nombre, los caracteres con los que se escribe, llevan parte del espíritu de la persona. El robo de un nombre, personajes que se olvidan de su propio nombre, no usar el nombre real del protagonista hasta el final, no mencionar el nombre del protagonista de una novela en primera persona; son recursos muy utilizados en novelas y cuentos japoneses. 

Onsen, baños termales: Los baños termales, los “onsen” “温泉” ♨, se pueden encontrar en prácticamente cualquier lugar de Japón. La mayoría de ellos funcionan con agua termal volcánica. Según la zona de volcanes, los onsens de ese área son famosos por tener ciertas propiedades benéficas para la piel dependiendo del tipo de minerales que contiene el agua. En el onsen de los dioses de Chihiro se puede apreciar el ambiente de un onsen real japonés. 
Corrupción del ser humano, sintoísmo:

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)El sintoísmo aboga por la pureza y benevolencia del ser humano y en general de todos los seres vivos. Cuando alguien hace algo malo es porque ha sido invadido por un espíritu ruin. En “El viaje de Chihiro” no hay héroes, tampoco hay malos, todos los personajes evolucionan, dan vueltas. La única que es héroe, quizás sea Chihiro, que pasa de ser una niña a tener que trabajar y ver el mundo de los adultos de primera mano. Tiene que perder su inocencia, tiene que trabajar dando servicio a dioses avariciosos y traicioneros, con compañeros de trabajo que sólo piensan en el oro y ve como Kaonashi, es invadido por la gula, la corrupción y la avaricia.

Hayao Miyazaki está alabando la simplicidad de los valores de los niños y critica la corrupción que nos invade cuando tenemos que vivir como adultos en esta sociedad capitalista. En especial está señalando la época de la burbuja japonesa, en la que la mayoría de los japoneses pensaron que el dinero seguiría brotando de la nada como si fuera Kaonashi vomitando oro por la boca, en la que el ansia por consumir nunca era saciada.

Contaminación:
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Otro Dios que ha sido invadido por un espíritu malo es el monstruo pestilente que nadie tiene valor de atender, es Chihiro la que entiende que no es culpa suya haberse convertido en lo que es. Chihiro encuentra una bicicleta incrustada dentro del cuerpo del Dios. Es posiblemente el Dios de un río, como Haku. En Japón los ríos están muy contaminados y uno de los objetos que se suelen encontrar dentro de ellos son bicicletas. Al tener matrículas, es difícil deshacerse de una bici que ya no necesitas en Japón, lo más fácil y más barato es tirarla a un río. Consiguen sacar la bicicleta de la entrañas del Dios y a continuación expulsa toda la basura que llevaba dentro. En la película Ponyo, también es muy criticada la contaminación de ríos y mares.

Haikyo:

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Haikyo (Lugar abandonado) son lugares que se construyeron y estuvieron en funcionamiento durante los años 70 y 80 pero con el tiempo quedaron totalmente abandonados (Otra vez señalando y criticando la bonanza descontrolada de la burbuja japonesa). Al principio de la película el padre de Chihiro sugiere que lo que han encontrado al otro lado del túnel es un parque de atracciones abandonado. Hay muchos parques de atracciones abandonados en Japón.


Kaonashi (Sin Cara): 

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)Es uno de los personajes más misteriosos. Como Yubaba, tiene un lado bueno y lado malo. La “NoCara” de Kaonashi está inspirada en las caretas de los actores del teatro tradicional japonés Noh.

Dioses:

Según la tradición, en Japón hay miles de Dioses kami 神. En Chihiro pasan por el onsen regentado por Yubaba por las noches, en la “realidad” se reúnen una vez al año en los territorios más sagrados del país. 
Curiosidades varias:
Los caramelitos que comen los makurokurosuke (las bolitas negras) son unos dulces típicos japoneses que se llaman konpeitou.
Kamaji, el hombre que trabaja en las calderas del onsen le da unos tickets de tren a Chihiro. Son un tipo de tickets viejos que ya apenas se usan en Japón pero se siguen vendiendo en packs de 11.
En los exteriores se ven muchas flores ajisai, son unas flores de género de las hydrangeas (Hortensias), que suelen florecer en Japón la última semana de Junio y la primera de Julio. Viendo las flores podemos situar cronológicamente los sucesos de la película.

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)Haku 白, significa blanco en japonés, representa de alguna forma la pureza del personaje Haku, aunque también juega a dos bandas en algún momento he incluso se convierte en ladrón.

Sociedad vertical: la estructura con la que se organizan los empleados de la casa de baños termales gobernada por Yubaba es un espejo de la verticalidad de la sociedad Japonesa y sus empresa.

Contenido extra:

El viaje de Chihiro: Elink

Hellblazer – John Constantine

nuncalosabre.Hellblazer - John Constantine

Hellblazer es una serie de comic-book para adultos que comienza a publicarse en 1988 en Estados Unidos, a manos de la editorial DC Comics.

Hellblazer es una serie de estética oscura y opresiva. Su personaje principal es retratado como un hombre que sobrevive, en un mundo moderno donde los conflictos entre la realidad, lo mágico y lo sobrenatural lo mantienen en tensión.

La serie mantiene una línea de expresión netamente británica, tanto en su humor como en sus problemáticas, por la cual se expresan tópicos políticos y sociales tales como el racismo imperante en Reino Unido. 


El Protagonista

John Constantine es una compleja mezcolanza de
distintos elementos. Por un lado tenemos al héroe romántico y
crepuscular, siempre reo de la pérdida y el fracaso. Constantine es en
parte un alma pesarosa que se esconde tras una fachada radicalmente desemejante. Aunque por otro lado el nigromante también representa el antihéroe políticamente incorrecto.
Con su cinismo, su orgullo y esa personalidad egoísta que le concede un
legendario don para la supervivencia, Constantine también hace
despertar en el lector cierta fruición por la libertad que el personaje
transmite al hacer lo que se le antoja y salirse continuamente con la
suya. A todas estas contradicciones habría que sumar su cercanía al
pertenecer a la clase obrera, así como un cierto sentimiento
autodestructivo y temerario nacido ocasionalmente en los más primigenios
deseos del hombre. Todo esto conforma un cóctel que cuando está bien
compensado concibe un ser con una energía e impulso de lo más magnético.
Ese es John Constantine, un personaje muy bien planteado que ha contado
con el signo de tener a una serie de autores que han sabido acrecentar
su mitología, anexionando más detalles a los ya establecidos.

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El enigmático John Constantine hizo su aparición como interlocutor secundario dentro de la colección La Cosa del Pantano (Swamp Thing), al cargo por aquel entonces de Alan Moore. Fue en el #37 (junio de 1985), justo cuando daba inicio la saga American Gothic
(#30 a 50 USA), en la que el inglés llegaba para advertir al héroe
elemental de una seria amenaza inminente. El lector seguiría al
protagonista de la serie, así como al misterioso recién llegado, a lo
largo de una suerte de episodios que no conseguirían otra cosa que
aumentar la popularidad del magus. Constantine en realidad se gesta
gracias a que Steve Bissette y John Totleben,
encomendados del arte de la colección, le pidieron a Moore poder
dibujar un personaje que físicamente se pareciera al cantante Sting.
El guionista aprovechó entonces la ocasión para plantear un nuevo
concepto de brujo, alguien ligado a lo inexplicable pero también muy
próximo a la clase obrera del Reino Unido.

La aclamación popular fue tal que los responsables de DC no tardaron
en empezar a plantearse una colección regular para este personaje, tarea
que por cierto Alan Moore rechazó. El guionista tenía en aquel momento
su interés puesto en Watchmen. De manera que se encargó a Jamie Delano,
otro autor inglés, arrancar el proyecto. Y de esta manera se terminó
por fraguar el mito. En un principio, la colección iba a llevar por
nombre Hellraiser. Sin embargo, al haber utilizado el escritor Clive Baker previamente este término para una de sus obras y posterior adaptación cinematográfica, se prefirió variar el título por Hellblazer.
Tras este cambio, la serie por fin vio la luz en 1988, hospedada en el
universo DC. Posteriormente, como casi todo el mundo sabrá, en marzo de
1993 (#63) Hellblazer constituyó una de las primeras series con las que abrió el recién nacido sello Vertigo.

nuncalosabre.Hellblazer - John ConstantineJamie Delano acompañó la colección hasta su #40, aunque durante este tiempo cedió su puesto temporalmente a Grant Morrison (#25–26), Neil Gaiman (#27) y Dick Foreman
(#32). Delano también compuso el primer anual de la serie en 1988. Se
trató de una etapa intensa y oscura, donde se acentuaba la procedencia
obrera (estamos en la criticada época de Margaret Thatcher como Primera Ministro) de Constantine. La apuesta tuvo éxito y la serie alcanzó considerable popularidad. En el #41 llegaría a Hellblazer el también recién desembarcado Garth Ennis;
aunque en esta ocasión el talento provenía de Irlanda. El autor plantó
su bandera desde el primer instante y no le dolieron prendas para hacer
que Constantine padeciera un cáncer terminal de pulmón, empezando así
una carrera a contrarreloj para salvar su vida. Aquella historia se
tituló Hábitos Peligrosos y hoy en día es ya todo un clásico. Si bien se tomaría un descanso en el #51 (guinizado por John Smith), Garth Ennis continuó hasta el número #83 de la colección. Esta es a día de hoy la etapa más longeva de un autor en Hellblazer.
Este ciclo no fue sencillo, puesto que al irlandés le tocó capitanear
la transición del Universo DC a Vertigo. Pero el autor no se amilanó y
condujo al personaje por un recorrido repleto de referencias religiosas
que llegaría a ser casi un estereotipo en su obra. A lo largo de esta
trayectoria encontramos personajes inolvidables como Kit Ryan –el gran amor de Constantine– o el afable bebedor empedernido Brendan Finn, co-protagonista del genial #76 (Confesiones de un rebelde irlandés).
Porque los personajes secundarios –otra marca de la casa– tuvieron un
importante peso a lo largo del trayecto de Ennis en esta colección.

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Tras la marcha de Garth Ennis la trama pasó por un periodo puente. Jamie Delano volvió a aparecer brevemente (#84), para dejar paso a la fugaz participación de Eddie Campbell (#85–88). Tal saga tomó forma de relato en cuatro entregas titulado Nociones Perversas. La colección encontró de nuevo estabilidad a partir del #89, cuando tomó las riendas Paul Jenkins,
escritor británico como sus antecesores. Con este autor la colección
alcanzaba su primera década de existencia. Jenkins se dedicó a lo largo
de su participación de cuarenta números a saldar algunas cuentas
pendientes, depuestas tanto por Ennis como por Delano. Además de
mantener el tono –tanto oscuro como coral– de la serie, también aporta
una revitalización de ciertos mitos mágicos de las islas británicas.
Tras salirse Jenkins en el #128, asistimos al regreso de Garth Ennis. Sería durante un corto periodo de cinco números (#129 a 133). Acto seguido empieza una de las etapas más controvertidas de Hellblazer, que no podía podría provenir de otro más que de Warren Ellis.
El autor debía permanecer en un principio durante bastantes números.
Sin embargo su participación se redujo a tan sólo diez entregas
(#134–143). Ellis nos brindaría una serie de historias de carácter más
bien corto, que explorarían diversas facetas tanto del protagonista como
de su entorno. El autor, en clave violenta y provocadora, despacharía
temas como el Nuevo Laborismo,
los problemas de las drogas, la violencia machista o la delincuencia
infantil. Sin duda el inglés intentaba llevar al límite las
posibilidades que el sello le ofrecía, precedido como había sido por
autores que desde esas mismas páginas lanzaron críticas a la religión,
la política, o al comportamiento humano. Sin embargo, se llega a un
punto de inflexión cuando el guionista pretende publicar una historia
titulada Shoot en el #141 de Hellblazer, centrada en la problemática de los menores con acceso a armas de fuego en los institutos de EEUU. Estando la matanza del instituto de Columbine
(Colorado) demasiado reciente, la editorial tomó la decisión de
cancelar la publicación del número por una cuestión de respeto a las
víctimas, cuando sólo le restaba el color para estar listo. Tal acción
obtuvo un tremendo enfado por parte de Warren Ellis, que abandonó la
colección a modo de represalia. El autor colgaría posteriormente este número en
su página web. Cabe decir que una vez leído el polémico relato, este se
desarrolla con más rabia y espíritu de crítica feroz que con argumento o
planteamientos. Un cómic ciertamente al límite.

Una vez dejada atrás la polémica, se invita a la serie a Darko Macan
por el espacio de dos números (#144–145), para dar paso a la que tal
vez sea una de las participaciones más impopulares en la colección. El
encargado de conducir la trama durante los números 146 a 174 USA sería Brian Azzarello. Este autor –el primer americano de renombre en iniciar una trayectoria larga en Hellblazer
planteó que Constantine se dedicase a perpetrar una peregrinación por
diversos entornos de los EEUU, reduciendo el factor mágico a su mínima
expresión. Por contra, el escritor de Cleveland (Ohio) enfatizó el
elemento psicológico junto a novedades como el drama carcelario o el
universo endogámico del sexo más radical. Valga reconocer que por un
lado Azzarello transmutó al personaje en algunos momentos hasta lo
irreconocible; pero también se preocupó de enriquecer su universo
engordando su pasado con historias como la del joven Constantine punk.
Tampoco cabe duda de que la saga Tiempos Difíciles, realizada en colaboración con el mítico artista Richard Corben, cuenta con mucha calidad si se aparta del universo Hellblazer en
sí. Pese a todo, pocos fans cuentan esta etapa entre sus favoritas.
Tras la marcha del americano llega un nuevo inglés dispuesto a retomar
la esencia. Se trata de Mike Carey, el cual firma una nueva fase larga que abarca los números 175 a 215 USA, más una historia corta en la antología 9-11 titulada Exposed.
Carey se emplearía a fondo en un trabajo del cual no prescindiría de
recurrir a etapas pretéritas a la hora de elaborar sus historias.

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Y entramos en la recta final del repaso. Los #216 al 228 corrieron a cargo de la escritora escocesa Denise Mina.
La autora sería seducida por el mago, al que le dedicaría una empática
saga en la que una extraña plaga sentimental conduciría al personaje
protagonista de nuevo al más allá. Una historia épica en dos actos con
un interludio dedicado al atentado terrorista que sufrió Londres en
2006. Tras Mina tenemos un capítulo autoconclusivo de Mike Carey que deja paso al siguiente autor, Andy Diggle. Éste estuvo en la colección desde el #230 hasta el #249, con excepción de un paréntesis (#245-246) a cargo de Jason Aaron. Y con esto llegamos hasta la efeméride del #250, que recoge un compendio de historias cortas de la mano de Jamie Delano, Brian Azzarello, Dave Gibbons, China Miéville y Peter Milligan.
De hecho el relato corto de Milligan supondría el prólogo a una
andadura que se iniciaría justo un mes más tarde (#251). Y este es hasta
la fecha el último guionista encargado de la colección. Milligan ha
optado hasta el momento por historias cortas y concisas que se ensamblan
en lo que parece ser un propósito común. Algo parecido a lo realizado
en su momento por Brian Azzarello.En cuando al apartado gráfico de la serie, repasar el largo desfile de artistas que han aportado su arte a Hellblazer sería inacabable. Aunque se pueden desprender ciertos apuntes, como que la serie inició su andadura con las portadas de Dave McKean y el dibujo de John Ridgway. El autor que más portadas ha creado para la serie ha sido Tim Bradstreet, valedor siempre de su fotorrealismo característico. Siguiendo de cerca a este artista está Glenn Fabry, autor no menos capaz a la hora de bordar una cubierta.

Tampoco se pueden dejar escapar algunas anécdotas acontecidas durante estos años. Por ejemplo, Alan Moore
realiza un cameo en el #120 (etapa Jenkins), en un número
sugerentemente metalingüístico que conmemoraba el décimo cumpleaños de
la colección. Además, las referencias a Sting no cesaron tras tomar prestada su apariencia. En cierto momento de la serie vemos como Constantine bautiza a su lancha The Honorable Gordon Summer. Tal nombre es la identidad que se esconde tras Sting. (sic)

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El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (I).

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La época pre-code supuso un cambio radical en el papel de la mujer en el cine. Indudablemente el nuevo protagonismo femenino no fue achacable ni a un repentino interés por la figura de la mujer en la sociedad, ni por la búsqueda de la igualdad, ni tan siquiera por una corriente de pensamiento socio-cultural que buscara la renovación, en este aspecto, de las artes americanas. Simplemente los estudios se sirvieron de las mujeres para buscar el sensacionalismo, el morbo y el escándalo suficientes para llevar a más público a las salas de cine . Es evidente que, a pesar de que se buscara más el provecho económico que la calidad artística, el resultado final fue que muchas actrices se convirtieron en auténticas estrellas de cine, ganando un protagonismo, en muchos casos, mayor que el otorgado a los papeles masculinos, e incluso, como veremos después, una actriz llegó a salvar de la quiebra a un importante estudio.

Fueron muchas las películas que abordaron directa o indirectamente temas relacionados con el adulterio, aunque quizás fue la película de la Metro Goldwyn Mayer «The divorcee» (La divorciada) de 1930, la primera en abordar el tema directamente creando gran revuelo entre el sector más conservador de la sociedad norteamericana. La protagonista (Norma Shearer), engañada por su marido decide vengarse acostándose con su mejor amigo. Su actuación le valió un Oscar. Curiosamente esta película fue producida por Irving Thalberg, promotor del primer código y uno de los personajes más interesantes del Hollywood de aquellos años.

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Volviendo a lo que supuso en aquella época el estreno de la película, dos fueron los detalles que desencadenaron la indignación del “sector conservador”; en primer lugar, que fuera precisamente uno de los autores del código el que produjera una película que lo infringía abiertamente y, en segundo lugar, que la actitud que adoptaba el personaje de Shearer era ciertamente descarada y parecía transmitir el siguiente mensaje: ” si un hombre puede ser infiel por qué una mujer no va a flirtear con quien quiera”. Por supuesto, después de estar divorciada e ir conquistando hombre tras hombre se arrepentía de aquel comportamiento y volvía con su marido al que nunca había dejado de amar.

La propia Norma Shearer, de nuevo producida por su marido, estrenaría poco después A free soul”  (Un alma libre), 1931. Esta película narra cómo la hija de un importante abogado inicia una intensa relación sexual con un gángster interpretado por Clark Gable (en el que seria su primer papel importante). Otra vuelta de tuerca más en lo que, según el código, no debía mostrarse en las películas.
También en 1931 se estrenaría Night Nurse” (Enfermera de noche), una película clásica de la era pre-código, con gángsters, una sexualidad que inunda toda la película con numerosas escenas en las que aparecen enfermeras en ropa interior y una primera escena de cámara subjetiva digna de mención.
Pero lo más relevante de “Night Nurse”, aparte de servirnos como ejemplo de película pre-código, es que fue uno de los primeros papeles principales de la gran Bárbara Stanwick. Actriz llena de fuerza, talento y carisma, fue sin duda la estrella más importante del Hollywood de aquellos primeros años 30. Antes de “Night Nurse” ya había rodado Illicit” 1931 (Ilícito) y “Ladies of Leisure” 1930 (Mujeres ligeras) su primera película con Frank Capra con el que sería muy prolífica durante los las décadas de los 30 y 40. Su enorme versatilidad la llevó a aparecer en géneros tan distintos como la comedia, el western, el melodrama o el cine negro.

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Al margen de Capra, trabajó para los mejores directores de la época; Howard Hawks, Cecil B. de Mille o Fritz Lang tuvieron la suerte de tenerla en algunos de sus repartos. En 1933 participaría en Baby face” (Carita de Angel) indudablemente una de las películas más extravagantes y lascivas de la era pre-code. En ella se nos presenta a una Barbara Stanwyck licenciosa, sórdida y llena de fuerza y determinación. La película nos muestra como una mujer utiliza su sexualidad para lograr un status social más alto engatusando a hombres cada vez más importantes. El mensaje que transmitía no dejaba lugar a dudas: las mujeres pueden manipular con sexo a los hombres y tener éxito en la vida. Aunque también es verdad que el final vuelve a servir como redención para el personaje, tiene que elegir entre el dinero y el amor y ella ya sabe lo que verdaderamente la hace feliz…

Una de las actrices que destacó especialmente en la era pre-code por su sensualidad y atrevimiento fue Mae West, considerada el primer símbolo sexual y mujer fatal de la historia del cine. En 1932 interviene en  la película «Night after Night» (Noche tras noche), de Archie L. Mayo. Tras esta película Mae West se convirtió en una comediante con un humor muy característico que le concedió el rango de estrella gracias a una adaptación de su éxito teatral «Diamond Lil» titulada «Lady Lou» (1933).

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Gozó de un enorme poder de decisión en las películas en las que participaba; era escenógrafa, guionista y, además, elegía a sus compañeros de reparto. Provocativa, segura de sí misma y de su talento para el espectáculo, fue seguramente la actriz mas influyente de Hollywood en mucho tiempo. Fue ella quien evitó la quiebra de la Paramount, descubrió a un jovencísimo Cary Grant y ademas, cobrando por todo ello más que cualquiera de las actrices de entonces, fue la actriz mejor pagada. En 1933 estrena «I´m no Angel (No soy un ángel), junto a Cary Grant y dirigida por Wesley Ruggles. Dotada de un innegable don para la comedia y, en especial, para los dobles sentidos fue autora de frases que ya forman parte de la historia del cine como:

  • “¿Tienes una pistola en tu bolsillo o es que te alegras de verme?”.
  • “Creo en la censura,después de todo, he hecho una fortuna a su costa”.
  • “Cuando tengo que escoger entro dos tentaciones siempre escojo la que nunca he probado”.
  • “Cuando soy buena, soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mejor”.
Contenido extra:

The divorcee: Elink / Subs
Night Nurse: Elink / Subs
Baby Face: Elink / Subs
I´m no angel: Elink / Subs
Lady Lou: Elink / Subs

Aquí todo lo publicado sobre El cine pre-code y el Código Hays en nuncalosabré

Próximamente … 
nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (I).
Jean Harlow en Red-Headed Woman
El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II)

Los dibujos eróticos de Gustav Klimt

nuncalosabre.Los dibujos eróticos de Gustav Klimt

Conocido por obras como El Beso y sus trabajos paisajísticos, los dibujos en que Gustav Klimt abordaba la sublimación del desnudo, la autosatisfacción y la obtención del placer en un estado casi onírico son menos conocidos, quizá porque no fueron creados para la exposición sino para un deleite personal. Amante de la belleza de la mujer, el pintor represantativo del arte moderno, las dibuja dormidas o masturbándose, o entrelazadas a otros cuerpos tanto masculinos como femeninos con rostros que reflejan la agonía del éxtasis, ajenas al espectador y perdidas en su placer. Más cerca de lo sensual que de lo sexual, llama la atención las líneas frenéticas de los dibujos, quizá producto de un temblor erótico al momento de ser creados. Continuar leyendo «Los dibujos eróticos de Gustav Klimt»

El cine pre-code y el Código Hays. Crime Films.

nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Crime Films.

Los temas recurrentes de los «crime films» eran: la imagen del gangster y el mundo carcelario.

La proliferación de películas sobre gángsters manifestaban la insatisfacción del pueblo con el sistema que les había llevado a la situación en la que estaban. La sensación de que las instituciones no buscaban el bien del conjunto del país iba en aumento. El público en general se evadía de sus problemas viendo aquellas películas que parecían ensalzar a los delincuentes, tipos duros que triunfaban con las mujeres y con mucho dinero. Existía mucho miedo a que este tipo de películas hicieran apología de la delincuencia y sirvieran como inspiración para que una juventud con tantos problemas decidiera seguir ese camino. Los censores incluyeron textos moralistas al principio de cada película manifestando que los gángsters eran la escoria de la sociedad y que no debían ser considerados héroes. Aquello fue la semilla de lo que sobre todo a partir de mediados de los años cuarenta sería el cine negro.

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Los estudios, por supuesto, siguieron a lo suyo. La estrella elegida por
Warner Bros para personificar este tipo de personajes fue James Cagney, que se convertiría en uno de los actores más populares de la época. Su primer gran éxito fue The Public Enemy (Enemigo Público), de 1931, junto a Jean Harlow,
película tremendamente dramática y emocionante que tuvo un gran éxito
de taquilla. Recibió muchísimas críticas del sector conservador; tiene
imágenes que aún hoy son impactantes por su violencia. Eso sí, todavía
los estudios respetaban la regla de dar un merecido final a la vida de
un gángster, la muerte. (Para la leyenda queda que a John Dillinger -el
enemigo público numero uno-, lo mataron a la salida de un cine, después
de ver Manhattan Melodrama, película basada en su vida.). La respuesta de la Metro no se hizo esperar y en 1932 estrenó The beast of the city (El monstruo de la ciudad).


También es de destacar ·Little Caesar (Hampa dorada), de 1931 y dirigida por Mervyn LeRoy, del célebre guionista y escritor norteamericano William R. Burnett, que narra la historia de un ladrón de poca monta (gasolineras y supermercados), Caesar
Enrico Bandello, interpretado de manera poderosa y convincente por
el soberbio actor norteamericano, de origen rumano, Edward G.
Robinson
, que soñaba con ser tan grande como los peces gordos del hampa
dorada.

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El personaje de Rico muestra una homosexualidad latente, manifestado por su rechazo a las mujeres y en la relación que mantiene con Joe Masara (Douglas Fairbanks Jr.). Cuando la película fue estrenada, al parecer, Burnett llegó a esta misma conclusión acerca de la versión cinematográfica del personaje. Después de haber escrito Rico como explícitamente heterosexual en su novela, Burnett escribió una carta de queja a los productores de la película sobre la conversión del personaje en homosexual en la adaptación de la película.

El gran actor de la época fue Paul Muni. En 1932 estreno dos películas típicas de la época pre-código. Scarface, primera película sonora de Howard Hawks, obra maestra del cine de gángster,  obviamente
basada en la vida de Al Capone.


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Poco después se estrenó I’m a fugitive from a Chain Gang (Soy un fugitivo), dirigida por Mervyn LeRoy, que cuenta cómo James Allen (Paul Muni), tras volver de la Primera Guerra Mundial, es acusado de un atraco que no ha cometido. Drama social que tuvo un gran impacto y abrió el camino a las películas de denuncia abierta del sistema judicial y penal norteamericano. Refleja una sociedad en la que los pobres siempre tienen las de perder y en la que la justicia no siempre funciona como debería. Fue especialmente polémica por una escena en la que se ve cómo unos policías sureños torturan a James Allen. 

La censura quiso eliminar estas escenas por miedo a herir sensibilidades en los estados del sur. A pesar de toda la presión, la productora se mantuvo firme y las escenas no se tocaron. Soy un fugitivo fue un éxito de crítica y público; incluso tuvo trascendencia a nivel social contribuyendo a la introducción de importantes mejoras en el sistema de trabajos forzados. Como curiosidad, en esta película se muestra la primera fuga carcelaria de la historia del cine.

La violencia no se limitó al genero de
gángsters; incluso películas como Lady Killer (El guapo) de 1933, con
un marcado tono cómico, tiene escenas de una violencia que incluso hoy
en día parecería excesiva.

En Three on a match (Tres vidas de mujer) de 1932, tres amigas de la infancia se reencuentran tras años sin haberse visto. Deciden pasar un tiempo juntas y realizan un crucero en compañía de sus respectivas parejas.

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El viaje produce cambios en cada una de ellas; pero sin duda el cambio que sufre el personaje protagonizado por Ann Dvorak, una ama de casa aburrida, es el más llamativo. Deja su casa, su marido e incluso su hijo de cuatro años y emprende una loca aventura de sexo y drogas. El dramático final, como tantos otros de las primeras películas pre-código, es redentor del imperdonable comportamiento de la madre. Como curiosidad diremos que a consecuencia de una discusión acerca de su sueldo (se enteró que ganaba lo mismo que el niño que hacía de su hijo) el contrato de Ann Dvorak con la Warner Bros quedó en suspenso permanente e hizo que su carrera como estrella de Hollywood se viera prácticamente truncada a partir de entonces. 


Los estudios no tuvieron ningún pudor durante aquellos años a
la hora de realizar películas en los que temas como la violencia, la
droga o el dinero eran comunes y casi obligatorios.

Contenido extra:

The Public Enemy: Elink
Manhattan Melodrama: Elink / Subs
Scarface: Elink
Little Caesar: Elink / Subs
I’m a fugitive from a Chain Gang: Elink
Three on a match: Elink / Subs

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El cine pre-code y el Código Hays: Sex Films (I)