enero 2014

Collages – Nicholas Ballesteros

Con sede en Chicago, el artista Nicholas Ballesteros utiliza la técnica mixta en sus trabajos, entre los límites del collage, la pintura y el arte digital. Gran parte de su inspiración proviene de una conferencia dada por el filósofo francés Gilles Deleuze, en 1987, titulada «¿Cuál es el acto creativo?, en la que Deleuze declaró: «Una obra de arte no contiene la más mínima información. Por el contrario, hay una afinidad fundamental entre la obra de arte y un acto de resistencia.» La obra de Ballesteros se parece a esa declaración y sus ideas sobre el arte, son los siguientes:

1. Como artista trato de actuar con cautela lejos de producir arte que puede encarnar modos racionalmente productivos de comprensión. Abrazo lo absurdo.

2. La forma de arte de las técnicas mixtas creo que desaloja al espectador de la serie continua horizontal de pasado y presente. El arte es híbrido, su creación da una novedad repentina y espontánea que no viene ni del pasado ni del presente.

3. Si hay un poder sugestivo para mi arte, que es para conservar sus recuerdos al tiempo que los desvíos de ellos.

4. El arte en general es siempre tanto más que un objeto, y menos.

Mod Couples – Carlotta Cardana

Carlotta Cardana es una fotógrafa y documentalista italiana con sede en Londres. En su serie «Mod Couples«, la propia artista explica «es un proyecto personal sobre las parejas que pertenecen a la escena mod, una subcultura que se originó en Gran Bretaña a finales de 1950 y se hizo muy popular durante la década de 1960. Es muy difícil precisar lo que yace en el corazón de este movimiento, ya que ha evolucionado de muchas maneras diferentes durante los años y se transformó en diferentes subculturas. Todos los mods, sin embargo, comparten una pasión por todo lo relacionado con los años 1950 y la década de 1960, especialmente la ropa y la música.

Si bien su estilo es lo que llama la atención al principio, mi interés en el desarrollo de este proyecto va más allá de su apariencia. Como cuestión de hecho, incluso si todas las parejas asisten regularmente a diversos eventos Mod, podrían tener diferentes influencias en su estilo. La subcultura y todos sus elementos – la moda, la música, las motos, … – sólo proporcionan el marco para esta serie. Desde el punto de vista de un forastero, que estoy tratando de obtener una visión de su identidad más allá de la «máscara» y para retratarlos por lo que son, no por lo que llevan puesto .

Decidí centrarme en parejas porque estoy fascinada por la forma en que sus identidades se mezclan para producir algo más grande que la suma de sus partes…. También me interesa la relación entre una persona y su entorno, en ver cómo se complementan entre sí. Por lo tanto, tomé la planificación elaborada fuera de la ecuación al hacer estas fotos: las parejas eligieron qué usar y dónde iban a ser fotografiados. El mundo que se muestra en las fotos es el mundo que han creado para sí mismos.»

Tenage Stories – Julia Fullerton-Batten

En su serie «Teenage Stories«, la fotógrafa alemana Julia Fullerton-Batten, que actualmente reside en Inglaterra, nos muestra a adolescentes gigantes que invaden ciudades hechas en maqueta. Esta serie enseguida nos hace recordar al clásico «Alicia en el País de las Maravillas«.

En todas las imágenes vemos a adolescentes que se encuentran justo en ese punto donde están por convertirse en adultos rodeadas por un ambiente que, si bien puede ser cotidiano para el resto de las personas, no lo es para ellas y no sólo es por cuestión proporcional, más bien la proporción es solo el elemento denotativo del discurso que a la vez invita a reflexionar sobre los valores connotativos que son los que le dan el valor a esta serie, aunque no es una serie para nada feminista, sí aborda los problemas que tienen las mujeres a esa edad respecto a su entorno.

Pintura. Painting – Tim Eitel

Representante de la conocida como Escuela de Leipzig, ciudad en la que hizo su formación artística, Tim Eitel entró en el mundo del arte global a partir del año 2002, año a partir del cual es un habitual en exposiciones en todo el mundo. Eso con unos cuadros realizados a partir de fotografías o fotogramas de películas, luego llevados al lienzo de una forma muy particular.

Con una clave realista, Eitel coge elementos que le resultan llamativos de esas fotografías y luego los une en una suerte de descontextualización de elementos extraídos de la realidad y configurar, así, una nueva realidad, diferente, de espacios muchas veces vacíos de personas pero en los que quedan restos de actividad humana.

Personas individuales o en grupo, que no miran al espectador, le rehúyen la mirada recluidos como están en un mundo con reglas propias, un mundo distinto al nuestro, formado a golpe de distintas realidades superpuestas, capaz, al parecer, de fagocitarlos, de convertirlos en seres huidizos, melancólicos y con un punto siniestro. Y es que algo parece que está a punto de romper por algún sitio desencadenando acontecimientos incontrolables. Eitel nos propone un mundo emocionalmente complejo, de paleta abstracta para acoger a elementos realistas, a fragmentos, memorias o recuerdos de la vida cotidiana en mundos en los que da la sensación de que el tiempo ha salido corriendo, está ausente y todo se llena de una impresión de vacío existencial.

Vía: Eigen+Art

Diáspora – Óscar Pasariego

«Diáspora es un proyecto sobre la Identidad, referida a su mutabilidad por parte del entorno. Esta serie indaga en este hecho bajo el marco de la situación actual donde miles de individuos emigran cada día a otros países en busca de un futuro mejor. En ese momento comienza una transición entre la persona que hemos sido hasta ese momento y la persona en quien nos vamos a convertir.

Las razones migratorias son de lo más diversas, lo cual no cambia el periodo de adaptación. La situación en la que el sujeto no sabe si hace algo porque quiere o porque debe habituarse a esa nueva vida. Esta serie plasma la modificación de comportamiento como ayuda para la adaptación a un ambiente nuevo, sobre todo dónde comienza la verdadera mutación de su propia personalidad. Las imágenes muestran a los sujetos como siluetas transparentes que reflejan su nuevo entorno, al que no pertenecían, ocupando un nuevo espacio y poco a poco, fundiéndose con ese nuevo contexto cual camaleón.

Una reflexión sobre la intrínseca necesidad humana de pertenencia a un grupo, y de cómo, a medida que el proceso de adaptación a la nueva cultura se completa, se produce un desdoblamiento de personalidad entre la persona que éramos antes y la que somos en el nuevo lugar de acogida.

Un sentimiento poderoso que se transmite por parte del artista al retratarlos sin mostrarlos, dejando ver sólo su camuflaje, su lucha interior por verse reflejado en su nueva vida.

“En mis fotos mis protagonistas se confunden en sus nuevas casas, nuevos barrios, nuevos países. Al igual que yo busco mi sitio retratándolos sin mostrarlos. Dejando ver sólo su camuflaje, su lucha interior por verse reflejado en su nueva vida.”

– Oscar Parasiego

Ilustración. Illustration – Adara Sánchez Anguiano

Adara Sánchez Anguiano es una ilustradora española, nacida en Sevilla, que estudió Bellas Artes y se siente fascinada por la anatomía y la actividad íntima y cotidiana de la desnudez. Gran parte de sus obras giran en torno al tema de la sensualidad y la intimidad. Entre sus proyectos de «Take Off Your Clothes» explora específicamente el acto de desvestirse y la expresividad de la figura humana más allá de un simple estudio del cuerpo humano.

Hopper Meditations – Richard Tuschman

nuncalosabre.Hopper Meditations - Tuschman

«Hopper Mediations» es una respuesta fotográfica personal a la obra del pintor estadounidense Edward Hopper, por parte del fotógrafo norteamericano Richard Tuschman. Tuschman ha admirado desde siempre la pintura de Hopper y como, con una economía de medios, es capaz de hacer frente a los misterios y complejidades de la condición humana.

La colocación de una o dos figuras en un espacio íntimo, creando escenas tranquilas que son psicológicamente convincentes con narrativas abiertas. Los estados emocionales de los personajes pueden parecer vacilar paradójicamente entre la ensoñación y la alienación, o tal vez entre el anhelo y la resignación. La dramática iluminación aumenta la carga emocional, pero cualquier interpretación final se deja al espectador. Estas son todas las cualidades que Richard Tuschman espera imbuir también en sus imágenes. En otros aspectos, sus fotografías se apartan de las pinturas de Hopper. El estado de ánimo general en la obra de Tuschman es más sombrío y la iluminación es menos dura. Trata de lograr un efecto tal vez más cercano a la iluminación de claroscuro de Rembrandt. Para Tuschman, la iluminación actúa como otro personaje, no sólo la iluminación de la forma de las figuras, sino también haciendo eco y evocando su vida interior.

Ilustración. Illustration – Liu Hong

Liu Hong aborda la cuestión del cambio social en la post-Revolución Cultural China con simples retratos, pero retratos provocativos de mujeres anónimas. Tomado de anuncios chinos, estas mujeres muestran una libertad a la que el pueblo chino está empezando a acostumbrarse. Las caras y las manos se pintan en tonos grises. La tonalidad monocromática centra la atención en el cabello, que Hong pinta en colores azules o rosas fluorescentes, acentuando también los labios. Al acentuar el pelo y los labios de las figuras, Hong hace hincapié en la relajación de los estrictos estándares sociales y la apropiación de más sensibilidad occidental.

Dirty Windows – Merry Alpern

En 1995 la fotógrafa norteamericana Merry Alpern se hizo famosa por su serie fotográfica «Dirty Windows«, una serie de imágenes vouyeristas, secretamente tomadas a través de la ventana del baño de un piso de alquiler donde se ejercía la prostitución. Los clientes eran hombres que trabajaban en Wall Street y, sin ser conscientes de ello, prostitutas y clientes fueron retratados en sus intercambios.

Así, por medio de unas imágenes granuladas, en blanco y negro, enmarcadas por una ventana, pudo ver prácticas sexuales, el pago, las drogas, y todo el submundo que mueve el sexo de pago. Una secuencia fotográfica que levantó cierta polémica en los Estados Unidos tanto por su crudeza como por el tono voyeurístico de toda la serie, acusación que Alpern rechazó de pleno al considerar que lo único que estaba haciendo era reproducir unos momentos que se producen todos los días, es decir, estaba captando un instante totalmente real a través del cual estudiar las relaciones entre hombres y mujeres y los comportamientos impulsivos.

Vía: RoGallery

Pintura | Patryk Hadas

nuncalosabre.Pintura. Painting - Patryk Hadas

Patryk Hadas es un artista nacido en Polonia, que actualmente estudia en el departamento de pintura de la Academia de Bellas Artes de Cracovia. En sus obras utiliza diferentes técnicas, como la pintura tradicional, la serigrafía, el dibujo, el collage y la fotografía digital.

Patryk es un gran fan de los anuncios que, de alguna absurda manera, anuncian productos a través del sexo. Como dice el propio artista «Me atrae lo kitsch, los culos y las tetas. Grande es mi alegría al caminar por los pasillos del supermercado y descubrir los mismos productos en los estantes. Tomo en la atmósfera de estas tiendas inteligentemente diseñados, donde todo apunta a apelar a los sentidos y estimular mis deseos. Construyo mis cuadros sobre la base de ese anuncio-realidad plástica perfecta, que combino con mi experiencia imperfecta privado de lo común y por lo tanto doy vida a nuevos contextos. No documentar cualquiera de estos y no soy crítico, me quedo en el medio este ciclón bipolar, observando».