Searching for Sugar Man

nuncalosabre. Searching for Sugar Man


Sixto Rodríguez es un cantante estadounidense que vivía en Detroit (Michigan) y trabajaba cantando en bares. Era un hombre del cual se sabía casi nada. A fines de los años 1960 fue contactado por dos productores musicales que lo convencieron para grabar un disco, Cold Fact (1970), el cual no tuvo mucho éxito comercial. A pesar de esto, Rodriguez fue posteriormente contactado por otro productor, con quien grabó un segundo disco, Coming from Reality (1971), el que tampoco tuvo buenas ventas en Estados Unidos.
La carrera de Rodríguez no fue un completo fracaso. Su trabajo fue mejor recibido en Sudáfrica, donde las letras de sus canciones y el misterio que rodeaban al cantante lo transformaron en una figura popular entre los jóvenes del país. Su álbum Cold Fact fue adoptado como un símbolo de la lucha contra el apartheid. Debido a sus letras, varias de sus canciones fueron prohibidas por la South African Broadcasting Corporation. Músicos como Koos Kombuis, Willem Möller y Johannes Kerkorrel fueron inspirados por el mensaje de Rodriguez. Tiempo después surgió el rumor de que el cantante se había suicidado en medio de un concierto.
A mediados de los años 1990, dos hombres llamados Stephen Segerman y Craig Strydom comenzaron a investigar acerca de la identidad de Rodríguez y la razón por la cual el cantante nunca supo acerca de su éxito en Sudáfrica. Para esto, examinaron las relaciones que existían entre las compañías discográficas e intentaron contactar a los productores que trabajaron con él. Strydom logró hablar con Mike Theodore, uno de los productores de Cold Fact, y al preguntarle cómo se había suicidado el cantante, Theodore le dijo que Rodríguez no estaba muerto. Strydom escribió un artículo sobre su búsqueda y Segerman fue posteriormente contactado por Eva, la hija del cantante.
Tras estas escenas, el propio Rodríguez conversa con los documentalistas acerca de su vida. El cantante revela que nunca supo acerca de su éxito en Sudáfrica, y que tras grabar sus dos discos no pudo seguir dedicándose a la música y trabajó en la construcción. También se narra el viaje que hizo Rodríguez a Sudáfrica en marzo de 1998, donde tocó seis conciertos. Luego de esto, el cantante siguió viviendo de forma modesta en Detroit, regresando de forma esporádica al país africano para tocar algunos conciertos.

Ficha Técnica:

Título original: Searching for Sugar Man
Dirección: Malik Bendjelloul
Producción: Simon Chinn, Nicole Stott, George Chignell
Música: Sixto Rodríguez
Fotografía : Camilla Skagerström
Montaje: Malik Bendjelloul
Intervienen: Steve Segerman, Dennis Coffey, Mike Theodore, Dan Dimaggio, Jerome Ferretti, Steve Rowland, Willem Moller, Craig Bartholomew-Strydrom, Ilse Assmann, Berry Gordon Jr, Steve M. Harris, Robbie Mann, Clarence Avant, Eva Rodríguez, Sixto Rodríguez, Regan Rodríguez, Sandra Rodríguez-Kennedy, Rick Emmerson, Rian Malan.
País de producción: Suecia, Reino Unido
Año: 2012
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano
Duración: 86 min.



Tráiler

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Universal Horror – Kevin Brownlow (1998)

Sinopsis:

Universal Horror es un documental sobre las películas clásicas de terror que hizo Universal Studios en los años ’30.


A menudo se cree que esta era dorada del terror comienza con el Drácula (1931) de Bela Lugosi y el Frankenstein (1931) de Boris Karloff, pero el documental de Brownlow ubica sus orígenes mucho antes, con las versiones de Lon Chaney (padre) de El Jorobado de Notre Dame (1923) y El Fantasma de la Ópera (1925), y con el clásico El Gato y el Canario (El Legado Tenebroso, 1927) del director alemán Paul Leni. Se hace foco en los clásicos de la Universal mientras la dirigió Carl Leammle (hijo): Los asesinatos de la calle Morgue (1932), El caserón de las sombras (1932), La momia (1932), El hombre invisible (1933), El gato negro (Satanás, 1934), La novia de Frankenstein (1935), La hija de Drácula (1936) y El hijo de Frankenstein (1939). No sólo se cuenta en detalle la historia de la Universal y de la familia Leammle sino que, sin ceñirse estrictamente al título, se reseñan y discuten obras de otros estudios como Garras humanas (1927) de la Metro, Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1931) y La isla de las almas perdidas (1932) de la Paramount, King Kong (1933) de la RKO y Los crímenes del museo (1933) de la Warner. (deadsurfer, Patio de Butacas).

Título original: Universal Horror
Año: 1998
País: Reino Unido
Género: Documental
Dirección y guión: Kevin Brownlow
Duración: 95 min
Reparto: (Entrevistas) Forrest J Ackerman, Turhan Bey, Ray Bradbury, Jim Curtis, Nina Foch, Curtis Harrington, Rose Hobart, Gloria Jean, James Karen, Sara Karloff, Carla Laemmle, Gavin Lambert, Curt Siodmak, David J. Skal, Gloria Stuart, Lupita Tovar, George E. Turner, Arianne Ulmer, Nicholas Webster y Fay Wray.

Naves misteriosas (Douglas Trumbull, 1971)

nuncalosabre.Naves misteriosas (Douglas Trumbull, 1971)
Título original: Silent Running
Dirección: Douglas Trumbull
Guión: Steven Bochco, Michael Cimino, Deric Washburn
Produción: Michael Gruskoff, Douglas Trumbull
Música: Joan Baez, Peter Schickele
Fotografía: Charles F. Wheeler
Reparto: Bruce Dern (Freeman Lowell); Cliff Potts (John Keenan); Ron Rifkin (Marty Barker); Jesse Vint (Andy Wolf)
EE.UU., 1971

Argumento:
En el siglo XXI la vida vegetal ha desaparecido de la faz de la Tierra y lo poco que queda aún de esa valiosa flora se encuentra en tres naves espaciales botánicas situadas en la órbita con Saturno. Con la esperanza depositada de que algún día se pueda repoblar de nuevo el planeta con las pocas especies existentes en las naves, el botánico Freeman Lowell se responsabiliza de su cuidado y mantenimiento de una de ellas, la Valley Forge, hasta que recibe una inesperada orden de destruir todas las especies y regresar a La Tierra.
Ante esta situación Lowell desesperadamente acabará por secuestrar la Valley Fogue, matando al resto de su tripulación y emprendiendo una huida más allá de los anillos de Saturno en compañía de Huey y Dewey, dos robots de mantenimiento que acaba reprogramando también para las labores de jardinería entre otras muchas cosas en su aventura espacial por defender los últimos recursos naturales de que dispone para sobrevivir.
nuncalosabre.Naves misteriosas (Douglas Trumbull, 1971)
Debut en la dirección cinematográfica de uno de los magos y más importantes especialistas en el campo de los efectos especiales, parte de la historia del cine por su gran labor en películas como 2001: Una Odisea en el Espacio (1968) y Blade Runner (1982).
El fundamento de la historia tiene un cariz ecológico, hecho influenciado por la época de su rodaje, en la cual el ecologismo empezó a tener cierto protagonismo (entre muchos otros temas) que el cine de ciencia-ficción manifestó de forma bastante clara en muchas de sus producciones de aquella década, de manera reivindicativa y preocupante por lo que pudiese suceder.
La trama, obra de Deric Washburn, Steven Bocho y Michael Cimino, se centra en un hombre que ama y valora la vida y la naturaleza por encima de todo, y que hace lo imposible por preservar lo que queda de ella, llegando a asesinar a sus compañeros a los cuales inconscientemente les da igual destruir toda una herencia de la que todos formamos parte, siendo egoístas y con ansias de importunar a nuestro sufrido protagonista, que demuestra ser mucho mejor persona de lo que en realidad eran sus compañeros.
nuncalosabre.Naves misteriosas (Douglas Trumbull, 1971)
De hecho, el esfuerzo del protagonista por humanizar a los dos robots de mantenimiento responde no sólo al sentimiento de soledad que lo asalta en su huída, sino también al peso de conciencia que siente tras el asesinato de sus compañeros, tratando en cierta forma de revivirlos en los droides (a destacar la escena de la partida de poker). Así, aunque convencido de su autoimpuesta misión para salvar al que denomina «mi bosque» (el último de la Tierra), no deja de admitir que nada justifica el crimen que ha cometido.
En su desarrollo, además de las extraordinarias canciones de Joan Baez bajo la contundente y a veces suavizada influencia musical de Peter Schickele, no puede obviarse las bellas e impresionantes imágenes del entorno natural, con preciosos y vivos colores en los primeros minutos de filme que acompaña a los títulos de crédito, magistralmente filmadas por el director de fotografía Charles F. Wheeler.

Contenido extra:


Naves misteriosas: Elink
Joan Baez (Rejoice in the Sun) 


El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II).

nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II).

La actriz que junto a Mae West marcó los primeros años 30 y fue exponente del cine pre-code, es Jean Harlow, más cercana a lo que hoy en día conocemos como «sex symbol». En gran mediada se hizo famosa por ignorar completamente la moral de la época. Harlow sirvió como modelo a la propia Marilyn Monroe años después. Desgraciadamente tuvo una carrera cinematográfica muy corta ya que murió de uremia con tan solo 27 años, mientras rodaba “Saratoga” junto a Clark Gable.

Harlean Carpenter (su nombre real) nació en Kansas City, Missouri, el 3 de marzo de 1911, en el seno de una familia de clase media (su padre, Mont Clair, era dentista y su madre Jean, ama de casa). 
A los 16 años de edad y residiendo en la ciudad de Chicago, se enamoró perdidamente de Charles McGraw, un empresario de la ciudad siete años mayor que Jean, y se fugó de su hogar formado por su madre y su nuevo esposo Marino Bello para establecerse en Los Angeles, localidad californiana en la que McGraw y Jean contrajeron matrimonio en 1927.
nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II).A finales de los años 20 y con la efervescencia cinéfila que rodeaba la zona en la que residían, Jean intentó convertirse en actriz adoptando definitivamente el nombre artístico de Jean Harlow (apellido de soltera de su madre), pero lo único que pudo conseguir fueron pequeños papeles para intervenir en algunos cortos, la mayoría pertenecientes al género cómico.
De esta manera, pudo ser vista en diversas producciones de Hal Roach como «Double Whoppe» (1928), un film protagonizado por la pareja Stan Laurel y Oliver Hardy.
En 1929, antes de comenzar la década que la elevaría al estrellato, se divorció de McGraw. Un año después logró que el magnate Howard Hughes se fijase en ella para intervenir en «Hell’s Angels» (Angeles del infierno), de 1930, película en la que suplía a la actriz nórdica Greta Nissen, desechada finalmente por Hughes por su fuerte y poco atractivo acento sueco. Con esta películo encandiló al público, aunque no a la crítica, que incluso llegó a juzgar su actuación como terrible. Luego llegarían películas como «Public Enemy» (El enemigo público), de 1931, junto a James Cagney, Goldie (1931), y «Platinum Blonde» (La jaula de oro), de 1931, con Loretta Young. Así, mientras Harlow seguía siendo admirada por el público, la prensa seguía criticándola, diciendo que arruinaba cada escena en la que salía.
nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II).
En pleno apogeo de su éxito, muchas de sus fans femeninas se tiñeron el pelo de rubio platino como ella, e incluso Howard Hughes organizó un concurso en el cual el peluquero que más se acercara al tono de rubio de la actriz, recibiría un premio de 10.000 dólares.
Poco después, a la edad de 21 años, Harlow firmó un contrato con Metro Goldwyn Mayer (MGM), después de que ésta pagara a Hughes 30.000 dólares. Fue entonces cuando Harlow se convirtió en una superestrella, con películas como «Red-Headed Woman» (La pelirroja), de Jack Conway y «Red Dust» (Tierra de pasión), ambas del 32, esta última,  dirigida por Victor Fleming, con Clark Gable que protagonizaría años más tarde el remake   Mogambo junto a Ava Gadner interpretando el mismo papel que Jean Harlow. Ambos films la encumbrarían como la actriz con mayor magnetismo y morbo de la época. Fue durante el rodaje de Tierra de pasión cuando su segundo marido, Paul Bern, fue hallado muerto en la casa de ambos, con los subsiguientes rumores de que la propia Jean Harlow lo había asesinado. Los ejecutivos de MGM no tardaron en dar la muerte por resuelta, asegurando que la muerte de Bern se había debido a suicidio, alegando como motivo que éste padecía impotencia. Esto no dañó en modo alguno la carrera de Harlow, que acabó incluso más popular que antes.
nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II).Tras otras explicaciones y teorías sobre la muerte de su marido, Harlow tuvo un romance bastante indiscreto con el boxeador Max Baer, cuya mujer amenazó con divorciarse nombrándola a ella como causa principal. MGM no tardó en casar entonces a Harlow con el cineasta Harold Rosson. Ambos se divorciaron sin más escándalos siete meses después.
También son de destacar películas como «Dinner at Eight» (Cena a las ocho), de George Cukor (1933), «Hold your man» (Tú eres mío) de Sam Wood (1933), «Lola Burns» (Polvorilla) de Victor Fleming  (1933) y  «The Girl From Missouri» (Busco un millonario) de Jack Conway (1934).
A mitad de la década de 1930, Harlow era una de las mayores estrellas del cine estadounidense y la principal actriz de MGM. Su última película fue Saratoga (1937), junto a Clark Gable.

Contenido extra:

Platinium Blonde: Elink  / Subs
Red Dust: Elink
Dinner at Eight: Elink


Aquí todo lo publicado sobre El cine pre-code y el Código Hays en nuncalosabré

Próximamente …
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Bela Lugosi en Drácula
El cine pre-code y el Código Hays. Horror Films






Dakota – El Edificio Maldito de Nueva York

nuncalosabre.Dakota - El Edificio Maldito de Nueva York

El Edificio Dakota está situado en la Calle 72 con Central Park West Avenue, justo en frente del famoso parque. Fue construido en el año 1880 por el arquitecto Henry J. Hardenberg (quien también construyó el famoso Hotel Plaza). Su construcción duró 4 años,  y estuvo promovida por el propietario de las máquinas de coser Singer, Edward S. Clark.

Los altos tejados, la profusión de buhardillas, balcones y balaustradas dan al edificio un carácter propio del Renacimiento de la Alemania del Norte. Sin embargo, los planos del suelo y distribución delatan una fuerte influencia de las tendencias de la arquitectura francesa en el diseño de casas de finales del S. XIX. Cuando se construyó, se encontraba tan lejos de la ciudad que ni tan siquiera llegaba el suministro eléctrico y se comentó que parecía estar en el estado de Dakota (situado al norte de Estados Unidos en la frontera con Canadá), de ahí su nombre.
Sin embargo y a pesar de su lejanía con el centro de la ciudad, el edificio tuvo un gran «éxito social» desde sus comienzos, puesto que todos los apartamentos fueron alquilados antes de que se inaugurara. 
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A medida que Manhattan se fue expandiendo hacia el norte, los precios de estos apartamentos de lujo se dispararon y en poco tiempo fueron ocupados por una gran lista de personajes famosos, algunos de ellos con vidas difíciles, como Judy Garland, Boris Karloff, Leonard Bernstein y Lauren Bacall. También ha sido residencia de famosos cantantes como John Lennon, Jennifer López, Marc Anthony, Bono y su esposa,  Ali Hewson, Sting, Paul Simon o Roberta Flack.
El Edificio Dakota se hizo famoso por el asesinato de John Lennon, quien fue sorprendido por un desquiciado Mark Chapman, el 8 de diciembre de 1980, en la entrada principal.  El fanático acribilló a tiros al cantante, frente a Yoko Ono, la esposa de éste. Pese a la tragedia, la viuda de Lennon aún reside en el Dakota. En la entrada hay un par de antorchas que están permanentemente encendidas en memoria a John Lennon.
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Otro personaje que habitó en el Dakota fue Edwar Alexander Crowley, conocido como Aleister Crowley, que fue un influyente ocultista, místico y mago ceremonial, que viajó a Egipto y a su regreso proclamó haber recibido las revelaciones de Aiwaiss, un ángel-demonio de la guarda que le habría dictado las bases para sus Textos Thelema, fundamentos de la Nueva Era o Era de Acuario. The Beatles lo incluyeron en la portada de su octavo disco «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band«, por considerarlo una de las personas que cambió el mundo.
El famoso actor de cine de terror Boris Karloff, también residió en el Dakota y participó en impresionantes veladas de espiritismo. Se dice que cuando murió Karloff hubo fenómenos de poltergeist y su persona se manifestó en el lugar mediante presencia fanstamal, que fue vista y oída por diversos inquilinos que huyeron despavoridos del edificio.
También se dice que el sumo sacerdote de la brujería Wicca inglesa, Gerald Brossau Gardner, se alojó en este edificio cuando visitó Nueva York. En él celebró rituales mágicos invocadores de las potencias ocultas de la naturaleza. 
Precisamente, Román Polanski en el año 1968, se inspiró en este personaje para moldear las características del brujo maléfico coprotagonista de la película «Rosemary’s baby« (La semilla del diablo).

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Durante el rodaje, en el edificio Dakota tuvieron lugar todo tipo de extraños accidentes que diezmaron al equipo. En este edificio se produjo el desequilibrio nervioso de la actriz protagonista Mia Farrow y la ruptura de ésta con Frank Sinatra. La película convirtió al Dakota en foco de atención al desvelarse por la prensa las connotaciones mágicas y ocultas que el edificio poseía. Diversos grupos de practicantes de la magia negra y de sectas satánicas se congregaron ante el edificio Dakota para amenazar a Polanski y su equipo e impedir que la película se llevara a cabo. Entre estos personajes se encontraba Charles Manson, el hombre que tiempo después y con varios miembros de su secta se encargaron de convertir en realidad las amenazas. En 1969 llevaron a cabo la matanza de Cielo Drive, en Hollywood, donde asesinaron a un grupo de personas, entre ellas a la actriz Sharon Tate, esposa de Polanski.
A pesar de todo lo que se cuenta, Roman Polanski rodó los exteriores de la película en el edificio Dakota, pero los interiores fueron rodados no en este edificio sino en unos estudios de Hollywood.
Contenido extra:

Rosemary´s Baby: Elink

El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)
Sen to Chihiro no kamikakushi (
千と千尋の神隠し)  (El viaje de Chihiro), es una película de animación japonesa dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli.
El filme, estrenado el 27 de julio de 2001 en Japón, narra las aventuras de una niña de diez años llamada Chihiro Ogino, quien se encuentra a mitad de una mudanza con sus padres. En el proceso, su padre toma un atajo y se pierden, llegando a un extraño túnel, el cual atraviesan y descubren una ciudad abandonada. Allí, los padres de Chihiro hallan un restaurante y deciden comer, mientras que la pequeña va a investigar el lugar. Al caer la noche, Chihiro se aterroriza al ver que la ciudad se llena de variedades de espíritus, así que corre a buscar a sus padres, pero para su sorpresa éstos habían sido transformados en cerdos. Así pues, Chihiro tendrá que hallar una manera de romper el hechizo y poder continuar con su mudanza.
La película ha recibido más de catorce premios, entre ellos el premio Óscar a la categoría «Mejor película de animación», siendo la segunda película que recibe dicha condecoración, la primera y única película de anime que ha ganado un premio de Academia hasta ahora, la primera (y por ahora única) animación de habla no inglesa en ganar y la única de este premio que usa una técnica de animación tradicional o que gana entre cinco nominados (en cada uno de los años anteriores eran tres nominados). La película también ganó el Oso de oro en el 2002 en el Festival Internacional de Cine de Berlínn, aunque quedó empatada con Bloody Sunday. Además, Sen to Chihiro no kamikakushi superó a Titánic en la taquilla japonesa, convirtiéndose en la película con más recaudación en la historia del cine japonés.
Argumento
Chihiro y sus padres se habían visto obligados a mudarse a otra ciudad. Mientras que su padre conduce, toman un atajo por el cual se pierden internándose en un bosque que terminaba frente a un edificio que tenía un gran y extraño túnel en su interior. Del otro lado del túnel descubren un pueblo aparentemente abandonado; la familia decide ir a mirar y conocer el raro lugar, encontrando así un restaurante vacío, en el cual deciden quedarse a comer. Por otro lado, Chihiro se aleja de ellos para investigar la ciudad. Cuando comenzaba a anochecer, un chico misterioso llamado Haku aparece y le ordena a la niña que se marche de allí con sus padres antes de que caiga completamente la noche.

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Chihiro corre en busca de sus padres, mientras que al caer la noche toda la ciudad cobra vida, encendiéndose los faros y apareciendo seres de formas extrañas, similares a los yōkai; pero para su sorpresa y horror, sus padres habían sido convertidos en dos enormes cerdos. Atemorizada, Chihiro se da cuenta que se estaba volviendo transparente, por lo que Haku le dice que para no desaparecer debe comer algo de ese mundo y le ofrece una baya. Después, la lleva secretamente a una casa de baños termales, donde el joven le dice que debe conseguir un trabajo allí hasta que él pueda ayudarle a recuperar a sus padres y a escapar. Así pues, con ayuda de varios amigos que hace en el transcurso de la historia, Chihiro inicia una gran aventura para poder rescatar a sus padres y continuar con su vida.

Temas y arquetipos
El principal tema de la película es el viaje que hace Chihiro al reino de los dioses. Una niña mimada, la cual había viajado a un mundo fantástico, en donde se ha separado de todo lo que había conocido y encontrar el camino de regreso a casa. La experiencia de Chihiro en el mundo alterno, comparado con las novelas de Lewis Carroll, Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, representa un paso de la niñez a la edad adulta.
El arquetipo de la entrada al otro mundo delimita claramente el estado de Chihiro como una adulta en el medio. En su transición entre el niño y el adulto, Chihiro está fuera de estos límites de la sociedad, situación reflejada en su establecimiento fuera de lo sobre natural. El uso de la palabra kamikakushi (神隠し literalmente. «Escondido por los dioses») dentro del título japonés y el folclore asociado refuerza este pasaje: «kamikakushi es un veredicto de la muerte social en este mundo», y al volver a este mundo, «kamikakushi significa la resurrección social». En el momento de la obtención de empleo en la casa de baños termales, y la incautación del verdadero nombre de Chihiro por Yubaba, un tema común dentro del folclore japonés, ella mata simbólicamente a la niña. Después de haber perdido su identidad de la niñez, Chihiro no puede volver a la realidad la manera que ella vino, sólo puede avanzar adelante en edad adulta. Las siguientes pruebas y obstáculos que debe superar Chihiro se convierten en los desafíos y las enseñanzas comunes. En su intento de recuperar «su continuidad con su pasado», Chihiro debe forjar una nueva identidad.

Debajo del tema de la evolución del protagonista, Sen to Chihiro no kamikakushi contiene comentarios críticos sobre la sociedad japonesa moderna en relación con los conflictos generacionales, la lucha con la disolución de la cultura tradicional, las costumbres en una sociedad global y la contaminación del medio ambiente. Chihiro, como una representación de un shōjo liminal, «puede ser visto como una metáfora de la sociedad japonesa, que durante la última década parece estar cada vez más en el limbo y difícilmente pasen lejos de los valores y marco ideológico de la inmediata posguerra».

El viaje de Chihiro, Spirited away, Sen to Chihiro no kamikakushi, 
千と千尋の神隠し: el título de la película en nuestro idioma es bastante diferente al nombre original en japonés. La traducción literal de “Sen to Chihiro no kamikakushi, 千と千尋の神隠し” sería “La misteriosa desaparición de los espíritus de de Sen y Chihiro”. Kamikakushi, 神隠し, es casi imposible de traducir bien, literalmente los caracteres significan “dioses/kami” y “esconder”, pero juntos funcionan más como “desaparición misteriosa” o “spirited away” (El titulo de la versión en inglés) y también tienen cierta connotación de “viaje al más allá para redescubrirse a uno mismo” (“Viaje” es la opción que eligieron en la versión en español).

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)

Sen to Chihiro , es la parte más importante del título, en uno de los temas principales de la película. Los caracteres de Chihiro  significan “1000″ y “fantasma / preguntar por/buscar con profundidad”. En la secuencia de la película en la que Yubaba le roba el nombre al firmar el contrato, elimina con magia el segundo carácter de su nombre y se queda sólo con  (De ahí lo de 千と千尋 en el título), cuya pronunciación alternativa en japonés es “Sen”. Sen y Chihiro son ocultados por lo dioses, Chihiro es convertido en Sen por Yubaba adentrándolo un paso más en el mundo de los kamis donde tendrá que vivir muchas aventuras antes de poder volver con sus padres a la “realidad”.

Todas las culturas del mundo le dan mucha importancia a los nombres propios. En el caso de Japón, no sólo es importante la pronunciación del nombre, sino de los caracteres y su significado. El nombre, los caracteres con los que se escribe, llevan parte del espíritu de la persona. El robo de un nombre, personajes que se olvidan de su propio nombre, no usar el nombre real del protagonista hasta el final, no mencionar el nombre del protagonista de una novela en primera persona; son recursos muy utilizados en novelas y cuentos japoneses. 

Onsen, baños termales: Los baños termales, los “onsen” “温泉” ♨, se pueden encontrar en prácticamente cualquier lugar de Japón. La mayoría de ellos funcionan con agua termal volcánica. Según la zona de volcanes, los onsens de ese área son famosos por tener ciertas propiedades benéficas para la piel dependiendo del tipo de minerales que contiene el agua. En el onsen de los dioses de Chihiro se puede apreciar el ambiente de un onsen real japonés. 
Corrupción del ser humano, sintoísmo:

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)El sintoísmo aboga por la pureza y benevolencia del ser humano y en general de todos los seres vivos. Cuando alguien hace algo malo es porque ha sido invadido por un espíritu ruin. En “El viaje de Chihiro” no hay héroes, tampoco hay malos, todos los personajes evolucionan, dan vueltas. La única que es héroe, quizás sea Chihiro, que pasa de ser una niña a tener que trabajar y ver el mundo de los adultos de primera mano. Tiene que perder su inocencia, tiene que trabajar dando servicio a dioses avariciosos y traicioneros, con compañeros de trabajo que sólo piensan en el oro y ve como Kaonashi, es invadido por la gula, la corrupción y la avaricia.

Hayao Miyazaki está alabando la simplicidad de los valores de los niños y critica la corrupción que nos invade cuando tenemos que vivir como adultos en esta sociedad capitalista. En especial está señalando la época de la burbuja japonesa, en la que la mayoría de los japoneses pensaron que el dinero seguiría brotando de la nada como si fuera Kaonashi vomitando oro por la boca, en la que el ansia por consumir nunca era saciada.

Contaminación:
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Otro Dios que ha sido invadido por un espíritu malo es el monstruo pestilente que nadie tiene valor de atender, es Chihiro la que entiende que no es culpa suya haberse convertido en lo que es. Chihiro encuentra una bicicleta incrustada dentro del cuerpo del Dios. Es posiblemente el Dios de un río, como Haku. En Japón los ríos están muy contaminados y uno de los objetos que se suelen encontrar dentro de ellos son bicicletas. Al tener matrículas, es difícil deshacerse de una bici que ya no necesitas en Japón, lo más fácil y más barato es tirarla a un río. Consiguen sacar la bicicleta de la entrañas del Dios y a continuación expulsa toda la basura que llevaba dentro. En la película Ponyo, también es muy criticada la contaminación de ríos y mares.

Haikyo:

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)

Haikyo (Lugar abandonado) son lugares que se construyeron y estuvieron en funcionamiento durante los años 70 y 80 pero con el tiempo quedaron totalmente abandonados (Otra vez señalando y criticando la bonanza descontrolada de la burbuja japonesa). Al principio de la película el padre de Chihiro sugiere que lo que han encontrado al otro lado del túnel es un parque de atracciones abandonado. Hay muchos parques de atracciones abandonados en Japón.


Kaonashi (Sin Cara): 

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)Es uno de los personajes más misteriosos. Como Yubaba, tiene un lado bueno y lado malo. La “NoCara” de Kaonashi está inspirada en las caretas de los actores del teatro tradicional japonés Noh.

Dioses:

Según la tradición, en Japón hay miles de Dioses kami 神. En Chihiro pasan por el onsen regentado por Yubaba por las noches, en la “realidad” se reúnen una vez al año en los territorios más sagrados del país. 
Curiosidades varias:
Los caramelitos que comen los makurokurosuke (las bolitas negras) son unos dulces típicos japoneses que se llaman konpeitou.
Kamaji, el hombre que trabaja en las calderas del onsen le da unos tickets de tren a Chihiro. Son un tipo de tickets viejos que ya apenas se usan en Japón pero se siguen vendiendo en packs de 11.
En los exteriores se ven muchas flores ajisai, son unas flores de género de las hydrangeas (Hortensias), que suelen florecer en Japón la última semana de Junio y la primera de Julio. Viendo las flores podemos situar cronológicamente los sucesos de la película.

nuncalosabre.El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し)Haku 白, significa blanco en japonés, representa de alguna forma la pureza del personaje Haku, aunque también juega a dos bandas en algún momento he incluso se convierte en ladrón.

Sociedad vertical: la estructura con la que se organizan los empleados de la casa de baños termales gobernada por Yubaba es un espejo de la verticalidad de la sociedad Japonesa y sus empresa.

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El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (I).

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La época pre-code supuso un cambio radical en el papel de la mujer en el cine. Indudablemente el nuevo protagonismo femenino no fue achacable ni a un repentino interés por la figura de la mujer en la sociedad, ni por la búsqueda de la igualdad, ni tan siquiera por una corriente de pensamiento socio-cultural que buscara la renovación, en este aspecto, de las artes americanas. Simplemente los estudios se sirvieron de las mujeres para buscar el sensacionalismo, el morbo y el escándalo suficientes para llevar a más público a las salas de cine . Es evidente que, a pesar de que se buscara más el provecho económico que la calidad artística, el resultado final fue que muchas actrices se convirtieron en auténticas estrellas de cine, ganando un protagonismo, en muchos casos, mayor que el otorgado a los papeles masculinos, e incluso, como veremos después, una actriz llegó a salvar de la quiebra a un importante estudio.

Fueron muchas las películas que abordaron directa o indirectamente temas relacionados con el adulterio, aunque quizás fue la película de la Metro Goldwyn Mayer «The divorcee» (La divorciada) de 1930, la primera en abordar el tema directamente creando gran revuelo entre el sector más conservador de la sociedad norteamericana. La protagonista (Norma Shearer), engañada por su marido decide vengarse acostándose con su mejor amigo. Su actuación le valió un Oscar. Curiosamente esta película fue producida por Irving Thalberg, promotor del primer código y uno de los personajes más interesantes del Hollywood de aquellos años.

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Volviendo a lo que supuso en aquella época el estreno de la película, dos fueron los detalles que desencadenaron la indignación del “sector conservador”; en primer lugar, que fuera precisamente uno de los autores del código el que produjera una película que lo infringía abiertamente y, en segundo lugar, que la actitud que adoptaba el personaje de Shearer era ciertamente descarada y parecía transmitir el siguiente mensaje: ” si un hombre puede ser infiel por qué una mujer no va a flirtear con quien quiera”. Por supuesto, después de estar divorciada e ir conquistando hombre tras hombre se arrepentía de aquel comportamiento y volvía con su marido al que nunca había dejado de amar.

La propia Norma Shearer, de nuevo producida por su marido, estrenaría poco después A free soul”  (Un alma libre), 1931. Esta película narra cómo la hija de un importante abogado inicia una intensa relación sexual con un gángster interpretado por Clark Gable (en el que seria su primer papel importante). Otra vuelta de tuerca más en lo que, según el código, no debía mostrarse en las películas.
También en 1931 se estrenaría Night Nurse” (Enfermera de noche), una película clásica de la era pre-código, con gángsters, una sexualidad que inunda toda la película con numerosas escenas en las que aparecen enfermeras en ropa interior y una primera escena de cámara subjetiva digna de mención.
Pero lo más relevante de “Night Nurse”, aparte de servirnos como ejemplo de película pre-código, es que fue uno de los primeros papeles principales de la gran Bárbara Stanwick. Actriz llena de fuerza, talento y carisma, fue sin duda la estrella más importante del Hollywood de aquellos primeros años 30. Antes de “Night Nurse” ya había rodado Illicit” 1931 (Ilícito) y “Ladies of Leisure” 1930 (Mujeres ligeras) su primera película con Frank Capra con el que sería muy prolífica durante los las décadas de los 30 y 40. Su enorme versatilidad la llevó a aparecer en géneros tan distintos como la comedia, el western, el melodrama o el cine negro.

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Al margen de Capra, trabajó para los mejores directores de la época; Howard Hawks, Cecil B. de Mille o Fritz Lang tuvieron la suerte de tenerla en algunos de sus repartos. En 1933 participaría en Baby face” (Carita de Angel) indudablemente una de las películas más extravagantes y lascivas de la era pre-code. En ella se nos presenta a una Barbara Stanwyck licenciosa, sórdida y llena de fuerza y determinación. La película nos muestra como una mujer utiliza su sexualidad para lograr un status social más alto engatusando a hombres cada vez más importantes. El mensaje que transmitía no dejaba lugar a dudas: las mujeres pueden manipular con sexo a los hombres y tener éxito en la vida. Aunque también es verdad que el final vuelve a servir como redención para el personaje, tiene que elegir entre el dinero y el amor y ella ya sabe lo que verdaderamente la hace feliz…

Una de las actrices que destacó especialmente en la era pre-code por su sensualidad y atrevimiento fue Mae West, considerada el primer símbolo sexual y mujer fatal de la historia del cine. En 1932 interviene en  la película «Night after Night» (Noche tras noche), de Archie L. Mayo. Tras esta película Mae West se convirtió en una comediante con un humor muy característico que le concedió el rango de estrella gracias a una adaptación de su éxito teatral «Diamond Lil» titulada «Lady Lou» (1933).

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Gozó de un enorme poder de decisión en las películas en las que participaba; era escenógrafa, guionista y, además, elegía a sus compañeros de reparto. Provocativa, segura de sí misma y de su talento para el espectáculo, fue seguramente la actriz mas influyente de Hollywood en mucho tiempo. Fue ella quien evitó la quiebra de la Paramount, descubrió a un jovencísimo Cary Grant y ademas, cobrando por todo ello más que cualquiera de las actrices de entonces, fue la actriz mejor pagada. En 1933 estrena «I´m no Angel (No soy un ángel), junto a Cary Grant y dirigida por Wesley Ruggles. Dotada de un innegable don para la comedia y, en especial, para los dobles sentidos fue autora de frases que ya forman parte de la historia del cine como:

  • “¿Tienes una pistola en tu bolsillo o es que te alegras de verme?”.
  • “Creo en la censura,después de todo, he hecho una fortuna a su costa”.
  • “Cuando tengo que escoger entro dos tentaciones siempre escojo la que nunca he probado”.
  • “Cuando soy buena, soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mejor”.
Contenido extra:

The divorcee: Elink / Subs
Night Nurse: Elink / Subs
Baby Face: Elink / Subs
I´m no angel: Elink / Subs
Lady Lou: Elink / Subs

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Jean Harlow en Red-Headed Woman
El cine pre-code y el Código Hays. Sex Films (II)

El cine pre-code y el Código Hays. Crime Films.

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Los temas recurrentes de los «crime films» eran: la imagen del gangster y el mundo carcelario.

La proliferación de películas sobre gángsters manifestaban la insatisfacción del pueblo con el sistema que les había llevado a la situación en la que estaban. La sensación de que las instituciones no buscaban el bien del conjunto del país iba en aumento. El público en general se evadía de sus problemas viendo aquellas películas que parecían ensalzar a los delincuentes, tipos duros que triunfaban con las mujeres y con mucho dinero. Existía mucho miedo a que este tipo de películas hicieran apología de la delincuencia y sirvieran como inspiración para que una juventud con tantos problemas decidiera seguir ese camino. Los censores incluyeron textos moralistas al principio de cada película manifestando que los gángsters eran la escoria de la sociedad y que no debían ser considerados héroes. Aquello fue la semilla de lo que sobre todo a partir de mediados de los años cuarenta sería el cine negro.

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Los estudios, por supuesto, siguieron a lo suyo. La estrella elegida por
Warner Bros para personificar este tipo de personajes fue James Cagney, que se convertiría en uno de los actores más populares de la época. Su primer gran éxito fue The Public Enemy (Enemigo Público), de 1931, junto a Jean Harlow,
película tremendamente dramática y emocionante que tuvo un gran éxito
de taquilla. Recibió muchísimas críticas del sector conservador; tiene
imágenes que aún hoy son impactantes por su violencia. Eso sí, todavía
los estudios respetaban la regla de dar un merecido final a la vida de
un gángster, la muerte. (Para la leyenda queda que a John Dillinger -el
enemigo público numero uno-, lo mataron a la salida de un cine, después
de ver Manhattan Melodrama, película basada en su vida.). La respuesta de la Metro no se hizo esperar y en 1932 estrenó The beast of the city (El monstruo de la ciudad).


También es de destacar ·Little Caesar (Hampa dorada), de 1931 y dirigida por Mervyn LeRoy, del célebre guionista y escritor norteamericano William R. Burnett, que narra la historia de un ladrón de poca monta (gasolineras y supermercados), Caesar
Enrico Bandello, interpretado de manera poderosa y convincente por
el soberbio actor norteamericano, de origen rumano, Edward G.
Robinson
, que soñaba con ser tan grande como los peces gordos del hampa
dorada.

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El personaje de Rico muestra una homosexualidad latente, manifestado por su rechazo a las mujeres y en la relación que mantiene con Joe Masara (Douglas Fairbanks Jr.). Cuando la película fue estrenada, al parecer, Burnett llegó a esta misma conclusión acerca de la versión cinematográfica del personaje. Después de haber escrito Rico como explícitamente heterosexual en su novela, Burnett escribió una carta de queja a los productores de la película sobre la conversión del personaje en homosexual en la adaptación de la película.

El gran actor de la época fue Paul Muni. En 1932 estreno dos películas típicas de la época pre-código. Scarface, primera película sonora de Howard Hawks, obra maestra del cine de gángster,  obviamente
basada en la vida de Al Capone.


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Poco después se estrenó I’m a fugitive from a Chain Gang (Soy un fugitivo), dirigida por Mervyn LeRoy, que cuenta cómo James Allen (Paul Muni), tras volver de la Primera Guerra Mundial, es acusado de un atraco que no ha cometido. Drama social que tuvo un gran impacto y abrió el camino a las películas de denuncia abierta del sistema judicial y penal norteamericano. Refleja una sociedad en la que los pobres siempre tienen las de perder y en la que la justicia no siempre funciona como debería. Fue especialmente polémica por una escena en la que se ve cómo unos policías sureños torturan a James Allen. 

La censura quiso eliminar estas escenas por miedo a herir sensibilidades en los estados del sur. A pesar de toda la presión, la productora se mantuvo firme y las escenas no se tocaron. Soy un fugitivo fue un éxito de crítica y público; incluso tuvo trascendencia a nivel social contribuyendo a la introducción de importantes mejoras en el sistema de trabajos forzados. Como curiosidad, en esta película se muestra la primera fuga carcelaria de la historia del cine.

La violencia no se limitó al genero de
gángsters; incluso películas como Lady Killer (El guapo) de 1933, con
un marcado tono cómico, tiene escenas de una violencia que incluso hoy
en día parecería excesiva.

En Three on a match (Tres vidas de mujer) de 1932, tres amigas de la infancia se reencuentran tras años sin haberse visto. Deciden pasar un tiempo juntas y realizan un crucero en compañía de sus respectivas parejas.

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El viaje produce cambios en cada una de ellas; pero sin duda el cambio que sufre el personaje protagonizado por Ann Dvorak, una ama de casa aburrida, es el más llamativo. Deja su casa, su marido e incluso su hijo de cuatro años y emprende una loca aventura de sexo y drogas. El dramático final, como tantos otros de las primeras películas pre-código, es redentor del imperdonable comportamiento de la madre. Como curiosidad diremos que a consecuencia de una discusión acerca de su sueldo (se enteró que ganaba lo mismo que el niño que hacía de su hijo) el contrato de Ann Dvorak con la Warner Bros quedó en suspenso permanente e hizo que su carrera como estrella de Hollywood se viera prácticamente truncada a partir de entonces. 


Los estudios no tuvieron ningún pudor durante aquellos años a
la hora de realizar películas en los que temas como la violencia, la
droga o el dinero eran comunes y casi obligatorios.

Contenido extra:

The Public Enemy: Elink
Manhattan Melodrama: Elink / Subs
Scarface: Elink
Little Caesar: Elink / Subs
I’m a fugitive from a Chain Gang: Elink
Three on a match: Elink / Subs

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Mae West en I´m no Angel

El cine pre-code y el Código Hays: Sex Films (I)

Blow up (Deseo de una mañana de verano – 1966)

nuncalosabre.Blow up (Deseo de una mañana de verano - 1966)
Película ítalo-británica de 1966, dirigida por Michelangelo Antonioni, con David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles y la modelo Veruschka von Lehndorff en los roles principales. Producida por Carlo Ponti. Ganadora de la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes 1966, al Mejor director. El título en inglés Blow Up
significa la explosión de una burbuja, aunque se entiende en la jerga
fotográfica como una gran ampliación durante el revelado de una foto.

La historia está basada en el relato de Julio Cortázar, Las babas del diablo. Cortázar aparece como cameo
en una de las fotografías mostradas en la película. En el relato, la
pequeña historia y su significado es completamente distinto al del film
de Antonioni. Posteriormente al estreno de la película, el director
confesó que necesitaría otra película para explicar el significado de la
misma. El personaje principal está inspirado en un fotógrafo real, David Bailey.
La música del filme está compuesta por Herbie Hancock, pero no como banda sonora, sino como música ambiental. También aparecen en la película, The Yardbirds (con Jimmy Page y Jeff Beck) interpretando el tema Stroll On.

Contenido extra:

El cine pre-code y el Código Hays. Introducción

nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. IntroducciónEl 24 de Octubre de 1929, Wall Street vivió lo que más tarde se conocería como el “jueves negro”. Trece millones de títulos se pusieron a la venta y colapsaron el mercado. Aquel día fue el principio de una década en la que la gente se acostumbró, si eso es posible, a vivir entre el hambre y la desesperación. Once millones de americanos acabaron en el paro y las salas de cine empezaron, por primera vez, a quedarse vacías. Los años 20 habían sido una época magnífica para la industria del cine en Estados Unidos. Desde el primer momento tuvo un éxito arrollador, principalmente debido a la gran cantidad de inmigrantes que poblaban Norteamérica y que iban al cine (mudo por entonces) para disfrutar de un espectáculo que no requería saber ingles. Los estudios se fusionaron para buscar una mejor competencia y así surgieron la 20th Century Fox o la Metro Goldwyn Mayer (declarada en quiebra recientemente). La intención no era otra que la de controlar íntegramente la producción y la distribución a través de cadenas de salas que exhibían en exclusiva sus películas.
En 1927, la Warner Bros estaba atravesando una situación económica delicada y decidió apostar por el cine sonoro como reclamo para aumentar la aceptación de sus producciones. Su primer éxito fue “El cantante de Jazz” que hizo que el resto de estudios siguieran sus pasos, quedando el cine mudo relegado a partir de entonces, casi exclusivamente a las películas de Charles Chaplin. Era una época de plena transformación del cine: los estudios habían gastado importantes cantidades en la sonorización de sus películas, surge el llamado “star system” que creó una mezcla entre actor y personaje con la intención de asegurarse éxitos en taquilla, los guionistas empezaron a ser cada vez más y más importantes, etc…

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Por tanto la industria Hollywoodiense se encontraba, tras aquel fatídico jueves, en un momento en el que, habiendo invertido importantes cantidades, veía como sus salas se vaciaban por la crisis económica que asolaba el país. Hollywood reaccionó como lo que era: una industria pensada para ganar dinero, utilizó el sexo, la violencia, el adulterio o las drogas para llenar las salas. Estados Unidos siempre había sido un pueblo muy puritano; sobre todo las pequeñas localidades rurales daban gran importancia a los principios morales tradicionales. La cada vez más atrevida producción cinematográfica hollywoodiense iba paulatinamente ignorando estos valores, cuando no contradiciéndolos abiertamente. A esto había que añadirle el temor que entre los productores empezó a existir a que el propio gobierno americano interviniera para salvaguardar estos principios morales. Finalmente, fueron los propios estudios los que crearon un organismo con este fin: La Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de América (MPPDA). Al frente de este organismo los estudios colocaron a Will H. Hays, elegido por su moral intachable, haciendo gran hincapié en su pasado conservador incluyendo su papel como diácono presbiteriano. Le asignaron un sueldo de estrella de Hollywood (100.000 $ al año) para dirigir el organismo recién creado y conseguir resolver los problemas derivados de una imagen cada vez mas deteriorada, pero también para usar sus contactos con el gobierno con el fin de asegurar que la legislación “anti-Hollywood” fuera benévola, sobre todo en lo referente a las juntas de censura y su reducción al mínimo. Esta labor la fue realizando Hays durante algunos años sin mucho éxito. A finales del año 1929 con la bendición del cardenal George W. Mundelein de Chicago y el padre Daniel A. Lord se autorizó el conocido poco después como “ Código Hays”. Los estudios aceptaron el código pero dejaron tantos resquicios a la interpretación que como veremos no fue muy efectivo.

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Desde 1930 a 1934 la industria cinematográfica estadounidense vivió en una permanente tira y afloja entre sus cada vez más “descaradas” producciones y una presión social encabezada por la Iglesia Católica que veía en aquellas películas el principio de la degradación de los principios morales que durante tanto tiempo habían promovido.

Los tres principios generales del código eran los siguientes:

  1. No se autorizará ningún film que pueda rebajar el nivel moral de los espectadores. Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, o el pecado.
  2. Los géneros de vida descritos en el film serán correctos, tenida cuenta de las exigencias particulares del drama y del espectáculo.
  3. La ley, natural o humana, no será ridiculizada y la simpatía del público no irá hacia aquellos que la violentan.

Algunas normas eran comprensibles dada la mentalidad de los censores de
la época. No se podía mostrar sexo explícito, los bailes provocativos y
desnudos estaban prohibidos; también la blasfemia, el uso de palabras
malsonantes y la ridiculización de la religión. Las relaciones sexuales
fuera del matrimonio no estaban permitidas, excepto si se presentaban de
manera poco atractiva o poco explícita, y mucho menos permitidas
estaban las relaciones interraciales y “perversiones sexuales” como la
homosexualidad. El asesinato y la violencia tampoco podían mostrarse
explícitamente, y siempre de forma que se desalentase al espectador.
También se controlaba el uso de alcohol, y se prohibía mención alguna al
uso de drogas o a la prostitución. Otro de sus rasgos representativos
era que todo aquel que cometiera algún acto delictivo o reprobable según
el código debía siempre ser castigado al final. Los espectadores eran
tratados como niños a los que había que educar.

nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Introducción

Otras de las normas eran directamente absurdas (no se podía mostrar
el ombligo ni las axilas, los besos no debían durar más de tres
segundos, los matrimonios tenían que dormir, preferiblemente, en camas
separadas, etc.). De la aplicación férrea del código se encargó el
censor Joseph Breen, que desde su oficina miraba con
lupa cada guión que se escribía y cada película que se rodaba, hasta que
dejó su cargo en 1954.

El resultado de todo esto es que los guionistas y directores se
tuvieron que estrujar la cabeza para saltarse, torear y hacer buenos
guiones teniendo que ajustarse a esta rígida censura. En ocasiones lo
conseguían y en otras no. El cine de Hollywood se llenó de referencias
no explícitas, mensajes ocultos y dobles sentidos. A partir de los 50 el
código empezó a quedarse anticuado, y el público empezaba a demandar
películas más y más realistas (influenciado sobre todo por las nuevas
corrientes del cine europeo), por lo que la aplicación de éste empezó a
relajarse poco a poco y se hizo una reforma, pero en los años 60 era ya
tan obsoleto e inservible que fue abolido completamente en 1966.

No deja de ser curioso que ésta fuera una censura autoimpuesta por la
propia industria, es decir, que provenía de un organismo que los mismos
estudios había creado, y que a pesar de ello intentaran saltársela y
burlarla en muchas ocasiones. En cierto modo a los grandes estudios les
beneficiaba la censura. Por un lado preferían ser autorregulados por un
organismo creado por ellos mismos a someterse a una censura impuesta por
el gobierno. Por otro, la férrea aplicación del código hacía que la
mayoría de películas independientes y extranjeras no consiguiesen el
certificado de aprobación, por lo que la exhibición de esas películas
era muy restringida y minoritaria comparada con las grandes producciones
de los estudios. De hecho fue la mayor demanda de estas películas
europeas minoritarias y más realistas, a partir de los 50 y 60, la que
propició la renovación y posterior abolición de este código.

nuncalosabre.El cine pre-code y el Código Hays. Introducción

Pero esto no quiere decir que con la abolición del código se aboliera
la censura. La censura siguió y sigue existiendo desde entonces.
Después de la desaparición del código se cambió a otro sistema más
adecuado a los tiempos que corren: el de clasificación por edades. Si
bien ahora hay más libertad y permisividad que en la era del código (no
en vano han pasado más de 70 años), y cada uno puede rodar lo que quiere
sin que nadie prohíba y corte la película, si la califican con una
NC-17 (anteriormente conocida como X), muchos cines se negarán a
exhibirla, muchas cadenas de grandes almacenes no la venderán, y su
acceso al público quedará limitado. Es otro tipo de censura más sutil y
velado que hoy en día continúa vigente y que sigue afectando por
completo al cine americano.

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