Ficha Técnica:
Tráiler
Tráiler
La actriz que junto a Mae West marcó los primeros años 30 y fue exponente del cine pre-code, es Jean Harlow, más cercana a lo que hoy en día conocemos como «sex symbol». En gran mediada se hizo famosa por ignorar completamente la moral de la época. Harlow sirvió como modelo a la propia Marilyn Monroe años después. Desgraciadamente tuvo una carrera cinematográfica muy corta ya que murió de uremia con tan solo 27 años, mientras rodaba “Saratoga” junto a Clark Gable.
Contenido extra:
Platinium Blonde: Elink / Subs
Red Dust: Elink
Dinner at Eight: Elink
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Bela Lugosi en Drácula |
El Edificio Dakota está situado en la Calle 72 con Central Park West Avenue, justo en frente del famoso parque. Fue construido en el año 1880 por el arquitecto Henry J. Hardenberg (quien también construyó el famoso Hotel Plaza). Su construcción duró 4 años, y estuvo promovida por el propietario de las máquinas de coser Singer, Edward S. Clark.
Rosemary´s Baby: Elink
Chihiro corre en busca de sus padres, mientras que al caer la noche toda la ciudad cobra vida, encendiéndose los faros y apareciendo seres de formas extrañas, similares a los yōkai; pero para su sorpresa y horror, sus padres habían sido convertidos en dos enormes cerdos. Atemorizada, Chihiro se da cuenta que se estaba volviendo transparente, por lo que Haku le dice que para no desaparecer debe comer algo de ese mundo y le ofrece una baya. Después, la lleva secretamente a una casa de baños termales, donde el joven le dice que debe conseguir un trabajo allí hasta que él pueda ayudarle a recuperar a sus padres y a escapar. Así pues, con ayuda de varios amigos que hace en el transcurso de la historia, Chihiro inicia una gran aventura para poder rescatar a sus padres y continuar con su vida.
Debajo del tema de la evolución del protagonista, Sen to Chihiro no kamikakushi contiene comentarios críticos sobre la sociedad japonesa moderna en relación con los conflictos generacionales, la lucha con la disolución de la cultura tradicional, las costumbres en una sociedad global y la contaminación del medio ambiente. Chihiro, como una representación de un shōjo liminal, «puede ser visto como una metáfora de la sociedad japonesa, que durante la última década parece estar cada vez más en el limbo y difícilmente pasen lejos de los valores y marco ideológico de la inmediata posguerra».
Sen to Chihiro 千と千尋, es la parte más importante del título, en uno de los temas principales de la película. Los caracteres de Chihiro 千尋 significan “1000″ y “fantasma / preguntar por/buscar con profundidad”. En la secuencia de la película en la que Yubaba le roba el nombre al firmar el contrato, elimina con magia el segundo carácter de su nombre y se queda sólo con 千 (De ahí lo de 千と千尋 en el título), cuya pronunciación alternativa en japonés es “Sen”. Sen y Chihiro son ocultados por lo dioses, Chihiro es convertido en Sen por Yubaba adentrándolo un paso más en el mundo de los kamis donde tendrá que vivir muchas aventuras antes de poder volver con sus padres a la “realidad”.
Hayao Miyazaki está alabando la simplicidad de los valores de los niños y critica la corrupción que nos invade cuando tenemos que vivir como adultos en esta sociedad capitalista. En especial está señalando la época de la burbuja japonesa, en la que la mayoría de los japoneses pensaron que el dinero seguiría brotando de la nada como si fuera Kaonashi vomitando oro por la boca, en la que el ansia por consumir nunca era saciada.
Otro Dios que ha sido invadido por un espíritu malo es el monstruo pestilente que nadie tiene valor de atender, es Chihiro la que entiende que no es culpa suya haberse convertido en lo que es. Chihiro encuentra una bicicleta incrustada dentro del cuerpo del Dios. Es posiblemente el Dios de un río, como Haku. En Japón los ríos están muy contaminados y uno de los objetos que se suelen encontrar dentro de ellos son bicicletas. Al tener matrículas, es difícil deshacerse de una bici que ya no necesitas en Japón, lo más fácil y más barato es tirarla a un río. Consiguen sacar la bicicleta de la entrañas del Dios y a continuación expulsa toda la basura que llevaba dentro. En la película Ponyo, también es muy criticada la contaminación de ríos y mares.
Haikyo (Lugar abandonado) son lugares que se construyeron y estuvieron en funcionamiento durante los años 70 y 80 pero con el tiempo quedaron totalmente abandonados (Otra vez señalando y criticando la bonanza descontrolada de la burbuja japonesa). Al principio de la película el padre de Chihiro sugiere que lo que han encontrado al otro lado del túnel es un parque de atracciones abandonado. Hay muchos parques de atracciones abandonados en Japón.
Kaonashi (Sin Cara):
Dioses:
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El viaje de Chihiro: Elink
La época pre-code supuso un cambio radical en el papel de la mujer en el cine. Indudablemente el nuevo protagonismo femenino no fue achacable ni a un repentino interés por la figura de la mujer en la sociedad, ni por la búsqueda de la igualdad, ni tan siquiera por una corriente de pensamiento socio-cultural que buscara la renovación, en este aspecto, de las artes americanas. Simplemente los estudios se sirvieron de las mujeres para buscar el sensacionalismo, el morbo y el escándalo suficientes para llevar a más público a las salas de cine . Es evidente que, a pesar de que se buscara más el provecho económico que la calidad artística, el resultado final fue que muchas actrices se convirtieron en auténticas estrellas de cine, ganando un protagonismo, en muchos casos, mayor que el otorgado a los papeles masculinos, e incluso, como veremos después, una actriz llegó a salvar de la quiebra a un importante estudio.
Volviendo a lo que supuso en aquella época el estreno de la película, dos fueron los detalles que desencadenaron la indignación del “sector conservador”; en primer lugar, que fuera precisamente uno de los autores del código el que produjera una película que lo infringía abiertamente y, en segundo lugar, que la actitud que adoptaba el personaje de Shearer era ciertamente descarada y parecía transmitir el siguiente mensaje: ” si un hombre puede ser infiel por qué una mujer no va a flirtear con quien quiera”. Por supuesto, después de estar divorciada e ir conquistando hombre tras hombre se arrepentía de aquel comportamiento y volvía con su marido al que nunca había dejado de amar.
Al margen de Capra, trabajó para los mejores directores de la época; Howard Hawks, Cecil B. de Mille o Fritz Lang tuvieron la suerte de tenerla en algunos de sus repartos. En 1933 participaría en “Baby face” (Carita de Angel) indudablemente una de las películas más extravagantes y lascivas de la era pre-code. En ella se nos presenta a una Barbara Stanwyck licenciosa, sórdida y llena de fuerza y determinación. La película nos muestra como una mujer utiliza su sexualidad para lograr un status social más alto engatusando a hombres cada vez más importantes. El mensaje que transmitía no dejaba lugar a dudas: las mujeres pueden manipular con sexo a los hombres y tener éxito en la vida. Aunque también es verdad que el final vuelve a servir como redención para el personaje, tiene que elegir entre el dinero y el amor y ella ya sabe lo que verdaderamente la hace feliz…
Gozó de un enorme poder de decisión en las películas en las que participaba; era escenógrafa, guionista y, además, elegía a sus compañeros de reparto. Provocativa, segura de sí misma y de su talento para el espectáculo, fue seguramente la actriz mas influyente de Hollywood en mucho tiempo. Fue ella quien evitó la quiebra de la Paramount, descubrió a un jovencísimo Cary Grant y ademas, cobrando por todo ello más que cualquiera de las actrices de entonces, fue la actriz mejor pagada. En 1933 estrena «I´m no Angel (No soy un ángel), junto a Cary Grant y dirigida por Wesley Ruggles. Dotada de un innegable don para la comedia y, en especial, para los dobles sentidos fue autora de frases que ya forman parte de la historia del cine como:
The divorcee: Elink / Subs
Night Nurse: Elink / Subs
Baby Face: Elink / Subs
I´m no angel: Elink / Subs
Lady Lou: Elink / Subs
Los temas recurrentes de los «crime films» eran: la imagen del gangster y el mundo carcelario.
Los estudios, por supuesto, siguieron a lo suyo. La estrella elegida por
Warner Bros para personificar este tipo de personajes fue James Cagney, que se convertiría en uno de los actores más populares de la época. Su primer gran éxito fue The Public Enemy (Enemigo Público), de 1931, junto a Jean Harlow,
película tremendamente dramática y emocionante que tuvo un gran éxito
de taquilla. Recibió muchísimas críticas del sector conservador; tiene
imágenes que aún hoy son impactantes por su violencia. Eso sí, todavía
los estudios respetaban la regla de dar un merecido final a la vida de
un gángster, la muerte. (Para la leyenda queda que a John Dillinger -el
enemigo público numero uno-, lo mataron a la salida de un cine, después
de ver Manhattan Melodrama, película basada en su vida.). La respuesta de la Metro no se hizo esperar y en 1932 estrenó The beast of the city (El monstruo de la ciudad).
El personaje de Rico muestra una homosexualidad latente, manifestado por su rechazo a las mujeres y en la relación que mantiene con Joe Masara (Douglas Fairbanks Jr.). Cuando la película fue estrenada, al parecer, Burnett llegó a esta misma conclusión acerca de la versión cinematográfica del personaje. Después de haber escrito Rico como explícitamente heterosexual en su novela, Burnett escribió una carta de queja a los productores de la película sobre la conversión del personaje en homosexual en la adaptación de la película.
El gran actor de la época fue Paul Muni. En 1932 estreno dos películas típicas de la época pre-código. Scarface, primera película sonora de Howard Hawks, obra maestra del cine de gángster, obviamente
basada en la vida de Al Capone.
Poco después se estrenó I’m a fugitive from a Chain Gang (Soy un fugitivo), dirigida por Mervyn LeRoy, que cuenta cómo James Allen (Paul Muni), tras volver de la Primera Guerra Mundial, es acusado de un atraco que no ha cometido. Drama social que tuvo un gran impacto y abrió el camino a las películas de denuncia abierta del sistema judicial y penal norteamericano. Refleja una sociedad en la que los pobres siempre tienen las de perder y en la que la justicia no siempre funciona como debería. Fue especialmente polémica por una escena en la que se ve cómo unos policías sureños torturan a James Allen.
El viaje produce cambios en cada una de ellas; pero sin duda el cambio que sufre el personaje protagonizado por Ann Dvorak, una ama de casa aburrida, es el más llamativo. Deja su casa, su marido e incluso su hijo de cuatro años y emprende una loca aventura de sexo y drogas. El dramático final, como tantos otros de las primeras películas pre-código, es redentor del imperdonable comportamiento de la madre. Como curiosidad diremos que a consecuencia de una discusión acerca de su sueldo (se enteró que ganaba lo mismo que el niño que hacía de su hijo) el contrato de Ann Dvorak con la Warner Bros quedó en suspenso permanente e hizo que su carrera como estrella de Hollywood se viera prácticamente truncada a partir de entonces.
Contenido extra:
The Public Enemy: Elink
Manhattan Melodrama: Elink / Subs
Scarface: Elink
Little Caesar: Elink / Subs
I’m a fugitive from a Chain Gang: Elink
Three on a match: Elink / Subs
Los tres principios generales del código eran los siguientes:
Algunas normas eran comprensibles dada la mentalidad de los censores de
la época. No se podía mostrar sexo explícito, los bailes provocativos y
desnudos estaban prohibidos; también la blasfemia, el uso de palabras
malsonantes y la ridiculización de la religión. Las relaciones sexuales
fuera del matrimonio no estaban permitidas, excepto si se presentaban de
manera poco atractiva o poco explícita, y mucho menos permitidas
estaban las relaciones interraciales y “perversiones sexuales” como la
homosexualidad. El asesinato y la violencia tampoco podían mostrarse
explícitamente, y siempre de forma que se desalentase al espectador.
También se controlaba el uso de alcohol, y se prohibía mención alguna al
uso de drogas o a la prostitución. Otro de sus rasgos representativos
era que todo aquel que cometiera algún acto delictivo o reprobable según
el código debía siempre ser castigado al final. Los espectadores eran
tratados como niños a los que había que educar.
Otras de las normas eran directamente absurdas (no se podía mostrar
el ombligo ni las axilas, los besos no debían durar más de tres
segundos, los matrimonios tenían que dormir, preferiblemente, en camas
separadas, etc.). De la aplicación férrea del código se encargó el
censor Joseph Breen, que desde su oficina miraba con
lupa cada guión que se escribía y cada película que se rodaba, hasta que
dejó su cargo en 1954.
El resultado de todo esto es que los guionistas y directores se
tuvieron que estrujar la cabeza para saltarse, torear y hacer buenos
guiones teniendo que ajustarse a esta rígida censura. En ocasiones lo
conseguían y en otras no. El cine de Hollywood se llenó de referencias
no explícitas, mensajes ocultos y dobles sentidos. A partir de los 50 el
código empezó a quedarse anticuado, y el público empezaba a demandar
películas más y más realistas (influenciado sobre todo por las nuevas
corrientes del cine europeo), por lo que la aplicación de éste empezó a
relajarse poco a poco y se hizo una reforma, pero en los años 60 era ya
tan obsoleto e inservible que fue abolido completamente en 1966.
No deja de ser curioso que ésta fuera una censura autoimpuesta por la
propia industria, es decir, que provenía de un organismo que los mismos
estudios había creado, y que a pesar de ello intentaran saltársela y
burlarla en muchas ocasiones. En cierto modo a los grandes estudios les
beneficiaba la censura. Por un lado preferían ser autorregulados por un
organismo creado por ellos mismos a someterse a una censura impuesta por
el gobierno. Por otro, la férrea aplicación del código hacía que la
mayoría de películas independientes y extranjeras no consiguiesen el
certificado de aprobación, por lo que la exhibición de esas películas
era muy restringida y minoritaria comparada con las grandes producciones
de los estudios. De hecho fue la mayor demanda de estas películas
europeas minoritarias y más realistas, a partir de los 50 y 60, la que
propició la renovación y posterior abolición de este código.
Pero esto no quiere decir que con la abolición del código se aboliera
la censura. La censura siguió y sigue existiendo desde entonces.
Después de la desaparición del código se cambió a otro sistema más
adecuado a los tiempos que corren: el de clasificación por edades. Si
bien ahora hay más libertad y permisividad que en la era del código (no
en vano han pasado más de 70 años), y cada uno puede rodar lo que quiere
sin que nadie prohíba y corte la película, si la califican con una
NC-17 (anteriormente conocida como X), muchos cines se negarán a
exhibirla, muchas cadenas de grandes almacenes no la venderán, y su
acceso al público quedará limitado. Es otro tipo de censura más sutil y
velado que hoy en día continúa vigente y que sigue afectando por
completo al cine americano.
Para abrir boca, 2 documentales:
Pincha sobre la imagen ver online.
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Myrna Loy en Manhattan Melodrama |